tag:blogger.com,1999:blog-289206882024-03-07T06:29:11.959+01:00Un blog sobre mí, sin míCine, música, literatura... Un poco de todo lo que me gusta.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.comBlogger185125tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-87238051869071613812015-10-12T14:01:00.002+02:002015-10-12T14:01:47.467+02:00Tomorrowland - El mundo del mañana (Tomorrowland) de Brad Bird<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivEBV4pJ7BueuB9vSrfXFe-57cXPrDwE12BvQdssRPGl-r1fZLutyaDoPwyPCeYrp-xlKT_v16bDoSXrlIVGcxDMDkpfnW4H802_y71DysqJE-RSh17KsddKyBEAuycZpKbze1/s1600/Tomorrowland_Poster_Final.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivEBV4pJ7BueuB9vSrfXFe-57cXPrDwE12BvQdssRPGl-r1fZLutyaDoPwyPCeYrp-xlKT_v16bDoSXrlIVGcxDMDkpfnW4H802_y71DysqJE-RSh17KsddKyBEAuycZpKbze1/s640/Tomorrowland_Poster_Final.jpg" width="448" /></a></div>
Desde finales de la década de los setenta y hasta finales de los ochenta, los estudios Disney atravesaron, probablemente, la peor época de su historia. Fueron unos años trufados de grandes fracasos tanto en su división de animación como en la de películas de imagen real enfocadas a un público familiar. Todo ello con el agravante de que los fracasos no sólo eran comerciales, también eran artísticos en una buena parte de los casos. Curiosamente, la división del estudio enfocada a un cine más adulto, Touchstone Pictures, funcionó muy bien a lo largo de la década con grandes éxitos como 1,2,3...¡Splash!. Los niños y las familias habían abandonado a Disney.<br />
<br />
El estreno de Star Wars en 1977 supuso el punto de inflexión definitivo en el rumbo que había tomado Hollywood a lo largo de la década de los setenta. La gente se había cansado de sufrir o de ser arengada en el cine; necesitaban espectáculo y evasión y la película de George Lucas se lo proporcionó como ninguna otra había hecho hasta entonces. Hasta entonces Disney, aparte de sus películas de animación, había producido con éxitos películas de bajo presupuesto enfocadas a un público familar, donde eran habituales los actores Dean Jones, Kurt Russell (precisamente, esas fueron las dos últimas palabras que escribío Walt Disney antes de su muerte), César Romero, Peter Ustinov o David Tomlinson. Películas como la saga de Herbie, Tú a Boston y yo a California, Ahora me ves, ahora no me ves o Mi amigo el fantasma pertenecen a esta categoría del estudio (Películas que separo de otras mucho más ambiciosas como Mary Poppins, 20000 leguas de viaje submarino o La bruja novata). Las tres últimas películas de este bloque serían Se nos ha perdido un dinosaurio (One of our dinosaurs is missing, Robert Stevenson, 1975), Un candidato muy peludo (Shaggy D.A., Robert Stevenson, 1976) y Herbie en el gran prix de Montecarlo (Herbie goes to Montecarlo, Vincent McEveety, 1977), que tuvieron resultados muy discretos tanto comerciales como artísticos (si bien, la primera resulta muy entrañable). Era un tipo de cine que estaba ya pasando de moda, y Star Wars acabó de darle la puntilla.<br />
<br />
Tras el estreno de Star Wars, estaba claro que el público ya no se contentaría sólo con estas películas de bajo presupuesto e inocuas intenciones. Y así la Disney se enfrascó en la realización de su respuesta a Star Wars, El abismo negro (The black hole, Gary Nelson, 1979) que con una producción de lujo y un reparto muy peculiar, repleto de grandes nombres se estrelló, justamente, en la taquilla. A pesar del fracaso, el cambio de paradigma era claro, y Disney siguió apostando por los altos presupuestos con el fin de recuperar el favor del público. Así volvería a la carga en años sucesivos con ĺa muy estimable El dragón del lago de fuego (Dragonslayer, Matthew Robbins, 1981) o Tron (Tron, Steven Lisberger, 1982), que también sufrieron sonoros fracasos, si bien la segunda pervivió como película de culto hasta nuestros días. En 1982 se estrenaba E.T., Spielberg fundó su productora Amblin, y el público que Disney buscaba desesperadamente encontró un nuevo hogar.<br />
<br />
Mucho ha pasado desde entonces y Disney se encuentra ahora mismo en el que es sin duda su mejor momento financiero. Resulta pardójico que sea ahora mismo la dueña de Lucasfilm y, por lo tanto, de Star Wars. ¿Quién ríe el último...? A nivel de animación, tras la absorción de Pixar sobre todo, y el descomunal éxito de Frozen, el estudio vuelve a ser una primera espada, algo que durante los últimos años de siglo XX y principio del XXI fue cuestionado. Y a los adolescentes y a sus padres los tiene asegurados con la compra de Marvel y Star Wars, unido al éxito de Piratas del Caribe. Es de hecho, en Piratas del Caribe donde encontramos el germen de Tomorrowland. Durante estos años un par de ideas principales guían las producciones del estudio; la primera sería adaptar todos sus clásicos animados a imagen real, una operación que de momento está funcionando muy bien en taquilla a tenor de los resultados de Maléfica o Cenicienta; la segunda gran idea sería adaptar sus exitosas atracciones en parques temáticos. Así surgió Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Pirates of the Caribbean: Curse of the Black Pearl, Gore Verbinski, 2003) con enorme éxito y La mansión encantada (Haunted Mansion, Rob Minkoff, 2003), vehículo de lucimiento a mayor gloria de un Eddie Murphy en horas ya muy bajas por entonces, que fue un fracaso.<br />
<br />
El germen de Tomorrowland se encuentra en una de las secciones en las que se divide el parque temático Walt Disney World: EPCOT (Experimental Prototype Community Of Tomorrow, algo así como , Prototipo experimental de comunidad del mañana); una zona futurista que nos muestra un futuro utópico. El propio Walt Disney estaba obsesionado con alcanzar un futuro utópico, de hecho colaboró construyendo cuatro pabellones para la Feria Mundial de Nueva York del año 1964 y diseñó EPCOT como algo muchísimo más ambicioso, un verdadero experimento de mundo futuro. Pero todo el proyecto fue desechado tras su muerte en 1966, construyéndose en los terrenos que él había comprado para llevar a cabo este experimento, el segundo parque de atracciones de la compañía: Walt Disney World, que, como ya he indicado, incluye a modo de homenaje una zona llamada EPCOT, si bien no guarda estrictamente relación con el proyecto inicial de Walt Disney. Por un lado tenemos EPCOT y por otro una atracción mucho más reciente, la Space Mountain de Disneyland París, que con un diseño steampunk y con referencias a George Meliês y Jules Verne, se convierte en inspiración directa de una de las escenas más espectaculares de la película.<br />
<br />
Tomorrowland nos narra cómo una brillante joven llamada Casey Newton(Britt Robertson) emprende un viaje junto a Athena (Raffey Cassidy) en busca Frank Walker (George Clooney), otrora niño brillante, que ella cree posee la clave para viajar a un mundo que se le presenta en forma de visiones al tocar un extraño pin. Ese mundo se llama Tomorrowland y está gobernado por Nix (Hugh Laurie).<br />
<br />
El segundo largometraje en imagen real (el primero fue Misión Imposible: Protocolo fantasma) del genio de la animación Brad Bird (El gigante de hierro, Los Increíbles y Ratatouille) supone un reencuentro con ese cine familiar de décadas pasadas, que tan buenos ratos nos hizo pasar en nuestra infancia. Con ciertos lugares comunes: adolescente muy inteligente para su edad, decepcionada con su padre, hija de padres divorciados que emprende una aventura "greater than life", la película resulta estimulante, ágil y visualmente llamativa. La mano de Bird se nota, sobre todo, en un ritmo perfecto, que consigue que la película siempre avance con un foco muy claro, unas escenas de acción imaginativas y sorprendentes (especialmente la que ocurre en casa del personaje interpretado por George Clooney) y una imaginería visual poderosa (la escena de la torre Eiffel y el mismo Tomorrowland). De hecho, durante al menos dos tercios de película, la dirección de Bird consigue que siempre veamos la película con atención, y disfrutemos de la montaña rusa que nos propone. Es precisamente eĺ último tercio donde la película muestra mayores problemas.<br />
<br />
Quizás decisión de Bird en la sala de montaje o del guionista Damon Lindeloff, los problemas del tercer acto de la película se encuentran principalmente en aquello que no te han explicado en los dos primeros tercios. De hecho el principal problema es dar el peso a un personaje tan poco definido como Nix que, tras aparecer brevemente durante el prólogo, no ha aparecido en todo el metraje y apenas ha sido nombrado durante el mismo. Esto lleva a presentar un "villano" desdibujado, mal explicado y, por tanto, difícil de comprender. Hugh Laurie, que es un excelente actor, no tiene nada con lo que trabajar y por lo tanto aparece un tanto perdido. Además da la sensación de estar apresurado, de querer contar muchas cosas en poco tiempo, por lo que resulta atropellado, y lo que es más grave, carente de urgencia y de sensación de peligro.<br />
<br />
El resto de actores cumplen con lo que se espera de ellos. Clooney interpreta un papel que se sabe de memoria, mientras que la joven Britt Robertson resulta muy adecuada en su papel, si bien, como ya le ocurría en la serie La cúpula, su exceso general de energía juega en su contra en alguna que otra escena.<br />
<br />
En el plano técnico los efectos visuales creados principalmente por la Industrial Light & Magic, resultan imaginativos e integrados. De hecho, es de esos raros casos en que se puede ver la magia del cine en acción, sobre todo los que residimos en Valencia. La base física de Tomorrowland es la Ciudad de las artes y las ciencias de Valencia, por lo que los que conocemos el entorno podemos ubicar cada escena rodada en su ubicación y observar la perfecta integración de los efectos digitales con los edificios diseñados por Santiago Calatrava.<br />
<br />
La música ha sido compuesta por Michael Giacchino, quien ha musicado todas las películas de Bird, con las excepción de El gigante de hierro, obra del llorado Michael Kamen. Resulta una música muy clásica, puramente orquestal, algo cada vez más extraño en los blockbusters. Con un tema muy retentivo y pegadizo (a pesar de guardar cierta similitud con el tema del caballero del Grial de Indiana Jones y la última Cruzada, compuesto por John Williams), se adapta como un guante a la acción, enriqueciéndola e impulsándola. Un muy buen trabajo que, como suele ser habitual en el compositor, no resulta tan estimulante en su escucha aislada.<br />
<br />
Es un pena que la película haya resultado un fracaso en taquilla, siendo el segundo consecutivo para el estudio tras el varapalo de El llanero solitario. Estrictamente a nivel mundial ha recaudado tanto como ha costado, pero en Hollywood si no se recupera el presupuesto con la taquilla americana, se considera un fracaso. Varios son los factores del fracaso: por un lado, no han encontrado un modo de vender la película de modo que resultaba llamativa para el público, en este sentido la presencia de George Clooney ya no es garantía de éxito, sigue siendo un nombre muy conocido pero no es una estrella que te garantice una taquilla elevada. Por otro lado, la propia película, al ir de más a menos, deja un cierto sabor agridulce que no facilita el boca a boca. No parece, por otro lado, que los implicados vayan a ver afectadas sus carreras por el fracaso, de hecho Brad Bird ya está enfrascado en los preparativos de Los increíbles 2 y Clooney ya tiene lista también su nueva colaboración con los hermanos Coen. Pero sí es cierto, que los estudios cada vez se lo van a pensar más para gastarse 200 millones de dólares en productos nuevos, en lugar de en continuaciones de lucrativas franquicias. No hay más que echar un ojo a la taquilla mundial de este año para observar como el público está prefiriendo las franquicias frente a productos más originales.<br />
<br />
<b>Cine en familia</b><br />
<b><br /></b>
La película resulta un gran entretenimiento para ver en familia, sobre todo para niños con más de seis años. Tiene acción, imaginación y aventuras que resultan adecuados y no espeialmente violentos. Además su mensaje en pos de la imaginación como herramienta para salvar al mundo me parece muy adecuado.<br />
<br />
En fin, Tomorrowland recupera, si bien con un prespuesto estratosférico en comparación, el cine familiar de décadas pasadas. De resultado agridulce, sus pros son netamente superiores a sus contras, y el conjunto resulta muy estimable, estimulante y recomendable, a pesar de un final fallido sin duda.<br />
<br />
<br />José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-23897092469562233952014-11-02T11:30:00.001+01:002014-11-02T18:20:16.741+01:00Crónica del concierto de la Film Symphony Orchestra en Valencia<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg04em0fsiNa9zT8fWvW_XSLPrlwnnWNG7ZaRI8jfgWxE9dz6KfUlyrEJoYpeYgplapYefXNzpvYnX-CmjlBacx7irwXVA8Xw4O8YbtmCWwrqDvT_e4RaCk4XyVcjkCyh_Rp9PK/s1600/cartel_FSO_SEVILLA.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg04em0fsiNa9zT8fWvW_XSLPrlwnnWNG7ZaRI8jfgWxE9dz6KfUlyrEJoYpeYgplapYefXNzpvYnX-CmjlBacx7irwXVA8Xw4O8YbtmCWwrqDvT_e4RaCk4XyVcjkCyh_Rp9PK/s1600/cartel_FSO_SEVILLA.jpg" height="400" width="285" /></a></div>
<div dir="ltr">
Mientras escuchaba el fantástico concierto que ofreció anoche la Film Symphony Orchestra en Valencia, recordaba, no sin añoranza, tiempos pasados en los que en esta ciudad se hacía algo adelantado, sin duda, a su tiempo y que ha quedado injustamente en el olvido.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
El congreso de música de cine era una actividad ligada a la desaparecida Mostra de cinema del Mediterrani que logró traer a grandes figuras de la música de cine a la ciudad. El plato fuerte del congreso era un gran concierto sinfónico dirigido por el compositor estrella invitado. Gracias a esto, los aficionado pudimos asistir a momentos irrepetibles. Yo pude asistir a cuatro de sus ediciones, acababa de entrar en la universidad y podía escaparme para asistir a las conferencias y proyecciones. Tuve el privilegio de escuchar Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago dirigidos por el mítico Maurice Jarre, vibrar con la música de Rocky dirigida por Bill Conti, soñar con El paciente Inglés o El talento de Mr Ripley bajo la batuta de Gabriel Yared o ver al añorado Michael Kamen bailando mientras dirigía su música para la película Brazil, en un concierto para mí mítico, donde ofreció un gran repaso por su obra desde Brazil hasta Robin Hood pasando por Las aventuras del barón Munchäusen.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Con la reducción de presupuesto de la Mostra, el congreso desapareció dando paso a un concierto sinfónico que finalmente también desaparecería junto al festival de cine.</div>
<div dir="ltr">
Curiosamente el último concierto de la Mostra de cinema del Mediterrani fue uno en homenaje a la música de la saga de James Bond, que ofreció la recién formada Film Symphony Orchestra en la Plaza de la Virgen, bajo la batuta del director y compositor valenciano Constantí Martínez-Orts. He de reconocer que como la orquesta era desconocida por entonces y había otro concierto más interesante en Valencia el mismo día, no le presté mucha atención y no asistí.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Llegó el año 2012, el compositor John Williams cumplía ochenta años y la Film Symphony Orchestra orquestó alrededor del mítico música norteamericano, cuya música me ha acompañado toda mi vida, con un extenso repaso de su obra. El concierto en Valencia tuvo lugar en el Palacio de congresos, un lugar del todo inapropiado por sonoridad para un concierto de estas características. El programa era simplemente perfecto, recorriendo todas las épocas y estilos de Williams, mostrando sus temás más míticos y reconocidos mundialmente pero también pequeñas joyas desconocidas para el no aficionado. Bajo una vibrante dirección de Martínez-Orts la orquesta, quién sabe si por falta de ensayos o por aptitud, no sonó tan bien como uno hubiese esperado y, sobre todo, los metales dieron más de un digusto. Aun así, sólo por el hecho de poder asistir en concierto a la interpretación de unas piezas que muy raramente son interpretadas ya valió la pena. Como he dicho, la gira pecó de ambiciosa pasando por muchas ciudades a lo largo de toda la España, y tuvo que ser cancelada, entiendo que por una venta de entradas inferior a lo deseado, antes de tiempo.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Con el cambio de año, llegó la eclosión. Nueva web y una promoción excelente, con aparición estrella en El hormiguero con Harrison Ford, unido a una gira mucho más reducida y un programa más variado, lograron dar a conocer el proyecto al gran público. Esta vez el concierto fue en un sitio perfecto, el Palau de la música, que llenaron. El programa mezclaba obras de Williams con otros clásicos de la banda sonora y el resultado fue muy bueno. Había muchas caras nuevas en la orquesta y la calidad de la interpretación dio un gran salto. Los metales volvieron que dar algún que otro susto, pero bueno, en líneas generales fue de esos conciertos que crean afición.</div>
<div dir="ltr">
Finalmente llega el día de ayer. Cada año he ido enrolando a más gente para acompañarme, ayer ya éramos diez personas incluyendo a mi peque de seis años. El programa incluía desde clásicos como Lo que el viento se llevó, Lawrence de Arabia o Ben hur a éxitos recientes como Origen o Piratas del Caribe. Ya desde la primera pieza se pudo observar cómo la orquesta había vuelto a dar otro salto de calidad, ya no se escuchaban metales dubitativos o sin fuerza como en ocasiones anteriores. Se notaba que el programa estaba muy trabajado. Y así pudimos ir disfrutando con auténticas obras maestras de la música como las partituras escritas por Maurice Jarre o Max Steiner.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
La interpretación de bandas sonoras suele tener un hándicap y es que no todas las composiciones se editan, entre otros motivos porque el compositor no se preocupa en arreglar suites o pequeños conciertos, para que su música sea interpretada en salas de concierto. John Williams es un compositor muy consciente de la importancia de este punto y se puede encontrar suites, sinfonías o conciertos sinfónicos extraídos o inspirados de sus bandas sonoras, editados y publicados por la editorial Hal Leonard, de modo que su música se puede interpretar por cualquier orquesta en la versión que el propio compositor ha escrito para ser interpretada en salas de concierto.</div>
<div dir="ltr">
Lamentablemente no ocurre así con todas las partituras, así ayer frente a suites arregladas por los propios compositores como la de Lawrence de Arabia, Ben Hur, Encuentros en la tercera fase, Star Wars o Regreso al futuro, había otras que no acababan de funcionar como Forrest Gump, en una suite recortada y que modificaba la orquestación de un modo bastante discutible, Batman que reducía el gran tema compuesto por Danny Elfman a una especie de trailer del mismo u Origen, obviamente no arreglada por el propio Zimmer, y que si se hubiese centrado exclusivamente en Time en vez de unirla con Dream is collapsing, hubiese quedado más redonda. Estas elecciones y la intensidad de la percusión y los metales en los tutti, excesiva en ciertos momentos, fueron lo peor del concierto. Tampoco fue muy acertada la suite de El señor de los anillos, un batiburrillo de temas unidos entre sí y poco cohesionados.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
El resto fue magnífico: vibrante, emotivo, mágico. Una interpretación excelente en la práctica mayoría de temas, destacando especialmente Lawrence de Arabia y Los siete magníficos. Unos metales y percusión realmente de impresión. De hecho creo que es la primera vez que asisto a un concierto de música de cine en el que no observo errores en la ejecución de los metales. La dirección de Orts, que se notaba estaba disfrutando, transmitía alegría y vitalidad, se le notaba feliz de estar en casa.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
El público estaba entregado como el año anterior, y creo que si por nosotros hubiese sido, aún seguiríamos allí. Cuatro bises con el público en pie y aplaudiendo a rabiar. A una velada prácticamente redonda, se sumaron unos bises impecables e imprescindibles: La Raiders March de Indiana Jones, los temas de Los Simpson y James Bond y, como colofón, una fantástica interpretación del de Superman.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Había gente disfrazada de Star Wars, pero esta vez y muy acertadamente, no les dieron protagonismo durante el concierto, como erróneamente ocurrió el año pasado. La gente va a disfrutar de la música, y la presencia de gente disfrazada llama la atención durante los previos y sirve como entretenimiento para que los fans se hagan fotos, pero con el concierto en marcha, no tiene cabida la presencia de estas personas en el escenario.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
En definitiva y, de nuevo, un concierto de los que crean afición. Además, siempre hace especial ilusión que tras la desaparición del congreso de música, esta estupenda iniciativa de la Film Symphony Orchestra, sea valenciana y tenga quizás la repercusión social que no logró tener el congreso.</div>
<div dir="ltr">
Ya tienen nuestra entrada asegurada el año que viene.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Por cierto, aquí tenéis el programa:<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
PARTE 1:<br />
<br />
Suite de Lo que el viento se llevó de Max Steiner<br />
Tema de El último mohicano de Trevor Jones<br />
Obertura de Lawrence de Arabia de Maurice Jarre<br />
Suite de Forrest Gump de Alan Silvestri<br />
Fragmentos de Encuentros en la tercera fase de John Williams<br />
El amor de una princesa de Braveheart de James Horner<br />
Tema de Batman de Danny Elfman<br />
Tema de Regreso al futuro de Alan Silvestri<br />
Suite de El señor de los anillos: La comunidad del anillo de Howard Shore<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
PARTE 2:<br />
<br />
Desfile de áurigas de Ben Hur de Miklós Rozsa<br />
El mundo mágico de Harry de Harry Potter y la piedra filosofal de John Williams<br />
Suite de Los siete magníficos de Elmer Bernstein<br />
Suite de Piratas del Caribe:El cofre del muerto de Hans Zimmer<br />
Suite de Origen de Hans Zimmer<br />
Tema de Robin Hood, príncipe de los ladrones de Michael Kamen<br />
Cabecera de Juego de tronos de Ramin Djawadi<br />
Salón de trono y final de Star Wars: Una nueva esperanza de John Williams</div>
<div dir="ltr">
BISES:<br />
Raiders march de En busca del arca perdida de John Williams<br />
Tema de Los Simpson de Danny Elfman<br />
Tema de James Bond de Monty Norman<br />
Tema de Superman de John Williams</div>
José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-62353230145293264762014-10-19T19:30:00.001+02:002014-10-20T12:20:18.908+02:00Perdida(Gone girl, 2014) de David Fincher, una adaptación perfecta<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://pics.filmaffinity.com/Perdida-677988863-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://pics.filmaffinity.com/Perdida-677988863-large.jpg" height="400" width="268" /></a></div>
<div dir="ltr">
Siempre he mantenido que no tengo especial predilección por unos géneros más que otros y que, a la hora de decidirme por una película en concreto, priman otros elementos sobre el género o la trama de la misma. Es por ello que suelo disfrutar mucho más con la narración que con lo narrado. Me ocurre con el cine, pero también con la literatura. Por este motivo, el factor más decisivo para decantarme por una película es la figura del director. Y, por lo tanto, hay directores que independientemente de lo que me quieran contar ya cuentan con mi interés. David Fincher, que acaba de estrenar Perdida, es uno de ellos.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Tras un comienzo desastroso desde su punto de vista como fue Alien 3, película de la que reniega y no considera parte de su obra, al haber realizado los productores, tras descartar su montaje inicial, el corte final que fue el que llegó a las salas de todo el mundo; Fincher estrena en 1995 la película que lo lanzó a la fama, Seven, el thriller que reinventó el género en los noventa. Si bien mantengo ciertas reservar hacia este título, su influencia es innegable, sobre todo a nivel visual (perfecta en ese sentido) extendiéndose incluso al mercado de los videojuegos (Heavy Rain tiene una estética clavada al film de Fincher). Un año después realizaría The Game, uno de sus títulos más disfrutables y paradójicamente más flojos. Un divertimento de principio a fin, narrado de forma impecable pero cuyo guión es tan frágil como un castillo de naipes. </div>
<div dir="ltr">
El año 1997 alumbró su película más polémica, llegando a ser tildada de fascista y de apología de la violencia, El club de la lucha es un film que el tiempo ha colocado en su sitio. Es la película más compleja y experimental de toda su obra, también una de las más desequilibradas a nivel narrativo, pero entra en la categoría de películas que hay que ver. Es una locura, es imperfecta, pero es cine puro.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
LLegados a este punto, podemos deducir que las películas impares son las más flojas de su carrera y las pares las mejores. Esta regla se cumple con La habitación del pánico, su quinto film. La narrativa vuelve a ser impecable, pero al servicio de una historia que no se sostiene, con unas decisiones de guión que destruyen toda la tensión que Fincher intenta conseguir con su dirección. Si unimos a eso un error de cásting mayúsculo (Kirsten Stewart, la corpúscula, intrerpreta a la hija de Jodie Foster, con su habitual desgana e irritabilidad), obtenemos, como resultado, su peor película.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Su siguiente film, Zodiac, vuelve a hacer buena la regla de las pares. Esta película del año 2007 (cinco años después de La habitación del pánico) supone su maduración como director y su obra maestra. Una película compleja, con sabor a cine de los años setenta, ambiciosa al abarcar su narrativa más de una decena de años, precisa como un reloj. Nada falla en ella, la cantidad de información arrojada al espectador es inmena y Fincher consigue que sea ya no sólo asimilable, sino que resulte un thriller vibrante con una gran creación de personajes. Todo lo que consigue la sobrevalorada serie True detective, ya la había logrado Fincher en esta película.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Con muchos directores ocurre que llega un punto en que ya parece que no pueden hacer nada mal. Esto se puede aplicar al director desde Zodiac, sus siguientes películas no son tan redondas como éstas pero son buenas o, incluso excelentes películas. Me refiero a El curioso caso de Benjamin Button, su film más sentimental y extraño en su filmografía; La red social, otra de sus cumbres; y Millenium:Los hombres que no amaban a las mujeres, superior en prácticamente todo a la adaptación sueca, pero llegó la segunda, y eso influye mucho.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
¿Y Perdida?¿Qué tal? Para empezar, es una de las mejores adaptaciones literarias que he visto nunca. Habiendo leído con anterioridad la novela, puedo afirmar que la película como adaptación es ejemplar. La propia autora, Gillian Flynn es la guionista y en colaboración con Fincher, consiguen que la obra se traslade a la perfección a la pantalla, los personajes están ahí, los acontecimientos, la atmósfera, incluso la estructura. Se ha eliminado lo superfluo, manteniendo todo lo esencial. De hecho, en mi opinión, funciona mejor como película que como novela, eliminando gran parte de las trampas que tiende Flynn al lector, aunque claro manteniendo lo esencial, que es la base de la estructura.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Sus dos horas y media de duración no pesan en absoluto. Ni una sóla escena es baladí, todas aportan información necesaria a la trama o a los personajes y todo fluye. La película que comienza como un thriller salpicado de "flashbacks", evoluciona por otros derroteros, sorprendiendo al espectador, deconcertándolo, incluso, finalizando la película con cierto toque de comedia negra.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Y, de paso, nos habla de la vida en pareja, de las renuncias que todos acabamos haciendo y, sobre todo, de los linchamientos públicos a los que los medios y la gente, nosotros, sometemos a los presuntos culpables de un crimen. Y, por supuesto, también de un hombre, Nick Dunne, que un día al regresar a su casa, descubre que su mujer Amy (la increíble Amy protagonista de una serie de libros para niños escritos por sus padres) ha desaparecido y no por propia voluntad.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Un casting perfecto redondea el gran trabajo de Fincher tras las cámaras y Flynn en el guión. Ben Affleck es la mejor elección para Nick, un hombre de sangre de horchata que se deja llevar por la marea en su vida y Rosamund Pike, en la oportunidad de su vida, está excelente en un papel muy difícil y exigente. Son los rostros más conocidos de un reparto en que tambień aparece Neil Patrick Harrus, en un papel que sí está más desdibujado con respecto a la novela.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
La fotografía es otro elemento a destacar, perfecta en su representación de los diferentes ambientes y escenarios en los que transcurre la acción, es obra del director de fotografía habitual de Fincher, Jeff Cronenweth.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
La música de Atticus Ross y Trent Reznor, componentes del grupo Nine Inch Nails, no acaba de encajar. Realmente es una historia que no requiere de música y, de hecho, sólo tiene verdadera funcionalidad en algunas escenas clave. El peaje de tener música en esas escenas es una música que no aporta nada en el resto de escenas en las que se utiliza. Es una película de diálogos y los compositores no parecen encontrar el punto.</div>
<div dir="ltr">
<br /></div>
<div dir="ltr">
Como veis la película me ha gustado mucho, aunque quizás por el propio material de partida, no sea una obra maestra al nivel de Zodiac o La red social. Es mucho más ligera por la propia naturaleza de la trama y el enfoque aplicado. Pero aun así, Fincher vuelve a demostrar el absoluto dominio de la narración cinematográfica que posee. 100% recomendable.</div>
José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-62347213169741996252014-09-28T20:55:00.001+02:002014-09-28T20:55:01.252+02:00Boyhood, el mejor anuncio de Apple jamás rodado<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://pics.filmaffinity.com/Boyhood_Momentos_de_una_vida-954973569-large.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://pics.filmaffinity.com/Boyhood_Momentos_de_una_vida-954973569-large.jpg" height="400" width="276" /></a></div>
<div dir="ltr">
Analizar una película como Boyhood de Richard Linklater resulta complejo pues parece imposible disociar el resultado final del método de trabajo elegido, algo por otro lado injusto, pues es una tarea que no se suele hacer con el resto de películas que vemos. </div>
<div dir="ltr">
Reseñar, por si el lector no lo sabe, que Linklater rodó esta película durante doce años con los mismos actores, con el objetivo de narrar el crecimiento de un niño y el mundo que le rodea desde los cinco hasta los diecisiete años. Esto implica que, al contrario que en cintas de temática similar, los actores envejecen realmente delante de nuestros ojos y no por obra y gracia del maquillaje. De este modo el director nos permite asomarnos a la vida de Mason y los que le rodean en pequeños intervalos de tiempo a lo largo de estos doce años. Dos horas y cuarenta minutos para narrar el comienzo de una vida.</div>
<div dir="ltr">
Es un proyecto muy ambicioso sin duda y, a pesar de lo intimista que resulta el conjunto, muy complejo de llevar a cabo con éxito, esquivando los diferentes infortunios que podrían haber ocurrido en un intervalo tan grande de tiempo. Sin embargo, no es una idea original al menos en su totalidad, ni mucho menos el proyecto más ambicioso de estas características.</div>
<div dir="ltr">
Desde el año 1964 la productora televisiva Granada Television lleva a cabo un proyecto llamado The Up Series. A partir de la teoría de que la clase social marca la evolución de las personas de modo que los nacidos como clase obrera morirán en el mismo estrato social, extendiéndose este comportamiento al resto de capas sociales. Con el objetivo de demostrar la teoría se eligió a un grupo de catorce chicos y chicas de siete años y, cada siete años realizan un seguimiento del devenir de sus vidas. De momento la serie consta de ocho capítulos, siendo el último 56up estrenado hace un par de años. Si bien este proyecto se enmarcaría dentro de género documental, mientras que el de Linklater en el de ficción, no se pueden obviar los paralelismos. </div>
<div dir="ltr">
Así mismo, si nos fuéramos a un género de ficción pura, habríamos de fijarnos, sin duda, en la serie Harry Potter, en la que la auténtica fuerza motora detrás del proyecto, el productor David Heyman, consiguió en un periodo de tiempo récord de diez años la realización de ocho superproducciones que seguían el devenir de unos aprendices de mago desde los once hasta los dieciocho años. Si bien, las dimensiones del proyecto son monstruosas comparadas con el pequeño film de Linklater, el concepto guarda ciertas similitudes.</div>
<div dir="ltr">
Entonces ¿qué tal Boyhood? Es indiscutible que el gran atractivo de la película es ver el envejecimiento real de los actores frente a nuestros ojos (con la excepción de Ethan Hawke, quien probablemente sea familia de Jordi Hurtado). En ese sentido y dadas las limitadas proporciones del proyecto, a pesar de lo ambicioso es una película muy pequeña, consigue la intención de mostrarnos en pequeñas píldoras doce años de una vida como la cualquiera, una vida normal y corriente, con sus puntos bajos y álgidos, pero siempre buscando un realismo que nos permita sentirnos hasta cierto punto identificados. Lo narrado siempre transita una zona gris, ya que Linklater nunca intenta dramatizar en exceso las zonas más oscuras del relato. Busca que nos sintamos espectadores de la realidad, un greatest hits de Mason un niño estándar criado en Tejas. Teniendo en cuenta, la obligatoria fragmentación de lo narrado, el director consigue algo muy díficil, una narración fluida manteniendo siempre el interés del espectador, a pesar de la larga duración del film. Sencillez y naturalidad serían los perfectos calificativos de su trabajo, el conjunto nunca denota artificiosidad ni el director pretende deslumbrarnos con su saber hacer. Podríamos decir que Boyhood es la antítesis de El árbol de la vida de Terrence Malick.</div>
<div dir="ltr">
A nivel de interpretación, deduje viendo la película que se había empleado la improvisación con metas como base de las escenas. Sobre todo cuando los niños son pequeños en las escenas con su padre biológico Ethan Hawke, se nota como el actor va llevando el peso de la improvisación forzando, en cierto modo, las respuestas de los niños, pero resultando muy naturales las reacciones. Este método de trabajo obliga al director a realizar múltiples tomas de la misma escena para luego quedarse con las mejores. Este hecho también demuestra la humildad de Linklater que ha preferido que sus actores estén perfectos a que la toma sea perfecta, por lo que, en ciertas escenas, hay un actor o varios fuera de foco.</div>
<div dir="ltr">
Dicho todo esto, ¿cómo valoraría la película si se hubiera recurrido a actores maquillados o niños parecidos para ilustrar el crecimiento del protagonista? Probablemente una película ciertamente interesante, entretenida, bien llevada, realista, olvidable. Linklater nos muestra escenas inconexas para que nosotros las unamos y juntas formen el mosaico de una vida, pero ésta es una vida normal, no especialmente destacable que, se permite de paso, un especie de oda al modo de vida americano, al sueño americano, que chirría un tanto (escenas como la del gerente de restaurante desentonan ciertamente). Por tanto el interés por lo narrado, va directamente relacionado al del propio espectador por ver una película casera de dos horas y media sobre la infancia y adolescencia de un niño norteamericano y su capacidad de identificación/correlación con su vida propia. En ese sentido, mi interés es ciertamente limitado. Pero estoy seguro que muchos espectadores se encontrarán en mi polo opuesto. Pero, en mi opinión, la visión de la adolescencia, probablemente por lo episódico de la narración, se queda muy en la superficie.</div>
<div dir="ltr">
Finalmente, destacar para mal, el descarado product placemente de Apple a lo largo de toda la película, tal y como vemos crecer a Mason vemos evolucionar el catálogo de productos de la conocida empresa informática, en lo que se convierte en el mejor anuncio de la historia de la marca.</div>
José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-63168354527739995382014-09-13T17:48:00.000+02:002014-09-15T14:08:15.065+02:00Músicas "desaparecidas"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjR3SQtVYIAVNjBDxeD3AvcScq8hMlYXKXAnFmvConE-wtKyzPqW-4ABy3XbFfuHmOoIN1Us3YHw-rfBWrhg3VPapSvdzF7ch1_yPl_zqM8troD3P_3-K5gg_NMeurpFbsy3Zmw/s1600/Alex-North.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjR3SQtVYIAVNjBDxeD3AvcScq8hMlYXKXAnFmvConE-wtKyzPqW-4ABy3XbFfuHmOoIN1Us3YHw-rfBWrhg3VPapSvdzF7ch1_yPl_zqM8troD3P_3-K5gg_NMeurpFbsy3Zmw/s1600/Alex-North.jpg" height="320" width="266" /></a></div>
<div dir="ltr">
Os propongo un viaje en el tiempo y el espacio a la Nueva York de 1968, en concreto a la noche del seis de abril de ese año. Estamos en el interior de un cine ¿qué es un cine, preguntaréis los más jóvenes? Un cine, era un lugar en el que durante dos horas te olvidabas del mundo y soñabas junto a cientos de personas con las imágenes proyectadas en una pantalla gigantesca a veinticuatro fotogramas por segundo. Esa noche se proyectaba, por primera vez, una película, adelantada a su tiempo, sin duda, que supondría una auténtica revolución y la consagración definitiva de su director. De entre todos los presentes en la oscuridad de la sala nos centraremos en un hombre de unos cincuenta años cuya peculiar nariz lo convertiría en el sueño húmedo de cualquier caricaturista. Era la primera vez que su trabajo se vería en conjunción con las imágenes y estaba nervioso por ver el resultado, tras largos meses de problemas y discusiones con el director, que había estado poniendo objeciones a todo lo compuesto durante toda la postproducción de la película y sugiriendo(reclamando) modificaciones. Avanzada ya la película descubrió que el esfuerzo había sido en vano. Sin esperar a que acabara la proyección, se levantó del asiento iracundo y abandonó la sala. El compositor se llamaba Alex North, el director Stanley Kubrick y la película 2001:Una odisea en el espacio.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Ni una sola nota del trabajo de North aparece en la obra de Kubrick, quien desde un principio tenía claro que quería composiciones preexistentes y sólo por la obligación del estudio accedió a contratar a North, con quien ya había trabajado con anterioridad en Espartaco. El director inglés, para contentar y tranquilizar al estudio, había mantenido contacto continuo con el músico durante toda la postproducción de la película, manteniendo, de ese modo, la ilusión de que iba a emplear su música en la película. Hoy en día sabemos que no fue así y que durante las dos semanas previas al estreno del film, Kubrick acabó el montaje musical usando piezas tan conocidas como Así habló Zaratustra o El Danubio azul de Richard y Johann Strauss respectivamente. El continuo enfrentamiento que Kubrick mantenía con el sistema de estudios en pos de una total independencia se cobró la partitura de Alex North como víctima.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
No puede afirmarse que la partitura compuesta por Alex North para 2001 sea la primera banda sonora rechazada de la historia del cine, ni la última, aunque seguramente sea el ejemplo más extremo y notorio. El agravante es que el hecho de haber sido rechazada condenaba a la partitura al ostracismo, no pudiendo ser comercializada y, por tanto, condenando al olvido todo el esfuerzo desarrollado por el compositor. En este punto, indicar que los compositores de bandas sonoras no son dueños de su obra o, al menos, de la grabación de la misma, no teniendo derecho, por tanto para poder editarla o comercializarla. En este caso, hubo de pasar mucho tiempo para poder escuchar el trabajo escrito por Alex North. De hecho, pasaron casi 30 años, hasta que en 1993, con el mítico Jerry Goldsmith, gran amigo de North, a la batuta, se realizó una grabación de la música rechazada de 2001 editada por el sello discográfico, especializado en bandas sonoras, Varêse Sarabande, cuyo máximo responsable Robert Townson es un gran admirador de Alex North. Lamentablemente el compositor norteamericano no llegó a ver nunca esta edición pues falleció en 1991 a los ochenta años.</div>
<div dir="ltr">
Los que me conocéis sabéis que tengo una peculiar aversión con los valses de Strauss, y si no ya lo sabéis, así que por este y otros motivos no soy un gran defensor de la opción elegida por Kubrick de usar música preexistente de diferentes épocas y estilos (igual soy un antiguo, me pasa lo mismo con Tarantino). Opino que con la música escrita por North, desde luego no tan tarareable, ni tan agradecida al espectador, mucho más áspera por descontado, pero riquísima en matices y con un impresionante empleo de la orquestación, como elemento cohesionador y distintivo; la película hubiese salido ganando. Pero bueno, Kubrick era un provocador nato amén de un profundo conocedor de la música para salas de concierto, y como autor entendió que eso era lo que la película necesitaba.<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Otro gran y famoso ejemplo de partitura rechazada lo encontramos en la música compuesta por Jerry Goldsmith para la película Legend de Ridley Scott. Goldmisth ya tuvo una mala experiencia con el director inglés cuando su partitura para Alien fue parcialmente reemplazada por fragmentos de composiciones previas también suyas como Freud o Psicosis II, pero en Legend Scott fue en paso más allá, aunque en este caso habría que culpar a los productores. Tras un pase previo, los productores viendo que el producto no era todo lo comercial que ellos ambicionaban decidieron que había que cambiar cosas. Con todo ya rodado, escenarios desmontados y actores trabajando en otros proyectos, lo único que podía hacerse era remontar la película y cambiar la música. Y así lo hicieron, aligeraron el montaje inicial de Scott manteniendo la música de Goldsmith para su estreno europeo, pero en EE.UU. realizaron un remontaje, reduciendo la duración la película considerablemente, y pidiendo al grupo de moda en aquella época, Tangerine Dream, que compusiera la música de ese montaje de Legend. La película fue un fracaso en ambas orillas del oceáno Atlántico.</div>
<div dir="ltr">
Al menos Goldsmith sí pudo ver su música integrada con las imágenes e, incluso ediciones con su partitura. Aun así, incluso en la versión europea la música sufrió severas amputaciones, dejando fuera grandes momentos musicales. En su edición discográfica, afortunadamente, se puede disfrutar de lo que es uno de los mejores trabajos del compositor californiano, y esto siendo Goldsmith es decir mucho. Sacando el máximo provecho a la interacción de sintetizadores con la orquesta tradicional, el maestro consigue una música con mucha personalidad, esencialmente fantástica (en ambos sentidos) y demoníacamente juguetona en varios de sus fragmentos. Una obra maestra que lamentablemente no puede disfrutarse plenamente con las imágenes para las que fue pensada. Hoy en día, no obstante, se puede recuperar en la reciente edición en Bluray el montaje definitivo de la película que restaura la música de Goldsmith en algunas escenas y tiene mayor duración que la versión estrenada en europa, si bien en el disco se puede disfrutar de ambas versiones.</div>
<div dir="ltr">
No me enrollo más, otro día pondré más ejemplos de músicas desaparecidas, de momento, os dejo con una lista de Spotify que contiene el 2001 de North dirigido por Goldsmith y, en otra lista lo compuesto por Legend por Tangerine Dream junto al único fragmento que he podido localizar en Spotify de lo compuesto por Goldsmith.</div>
<div dir="ltr">
¡Espero que lo disfrutéis!<br />
<br /></div>
<div dir="ltr">
Listas de spotify de <a href="http://open.spotify.com/album/4MB7PPSFwax2vi04CDT0we">2001</a> y <a href="http://open.spotify.com/user/yeruid/playlist/2K47Vy2MZAFv2zbVO1b7aw">Legend</a></div>
José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-85667016411510569902014-09-07T20:50:00.001+02:002014-09-07T20:50:10.736+02:00Decíamos ayer<p dir="ltr">Echo la vista atrás y no sabría decir por qué dejé de escribir por aquí; he seguido viendo películas y series, leyendo libros, escuchando música, pero no escribiendo, más allá de las frases más o menos afortunadas que dejo en facebook o twitter. No sé si escribir será como subir en bicicleta, pero ahora mismo me noto oxidado. Espero coger ritmo porque tengo ganas de volver, me apetece mucho escribir sobre mí sin mí, dedicar una palabras a esa peĺícula que me ha horrorizado, esa partitura que me ha hecho soñar, o ese libro que me ha trasladado a otro mundo. También, por qué no, volver a los relatos, largo tiempo abandonados.</p>
<p dir="ltr">Muchas cosas, poco tiempo y menos que tendré, pero, de momento, me planteo retos pequeños, metas sencillas, nada de medias maratones, ni voltes a peu. Tengo ganas de volver por aquí, espero no molestar y que, alguno, me echara, aunque fuera un poquito de menos.</p>
José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-87997570281110415822012-10-28T19:35:00.000+01:002012-10-28T19:35:17.173+01:00Mis 365 días de músicaMientras encuentro ganas e ideas para proseguir con este blog, os invito a que conozcáis mi nuevo blog <a href="http://mis365diasdemusica.blogspot.com.es">mis 365 días de música</a>. Espero que os guste.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-4698553980484938852011-01-31T22:39:00.004+01:002011-01-31T22:54:36.284+01:00Nos ha dejado John Barry<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr2N_G4N2fJIPs3Rn5ttMtjWnD-nsKHg83nJ0FLbIU2OWReypR6638YsHhLcA6DznNh8XMTVNnzzXje4zgThlbwF-XJ9QXuYe7RU1ts7AAam8jGvD6hz4famsDtYopTUA-vEj3/s1600/BarryGuardian.jpg"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 233px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr2N_G4N2fJIPs3Rn5ttMtjWnD-nsKHg83nJ0FLbIU2OWReypR6638YsHhLcA6DznNh8XMTVNnzzXje4zgThlbwF-XJ9QXuYe7RU1ts7AAam8jGvD6hz4famsDtYopTUA-vEj3/s320/BarryGuardian.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5568471196824098306" /></a><br />John Barry, probablemente uno de los compositores de cine más populares de la historia, ha fallecido. Sería un hipócrita si ahora dijera que me parecía un grandísimo compositor y uno de mis favoritos; no lo era, es más siempre me pareció un tanto sobrevalorado. Aun así, no sería justo no destacar su importancia en la historia. Él fue el creador del sonido Bond, imitado hasta la saciedad posteriormente, aunque las notas del tema principal sean de Monty Norman, así como el compositor de algunas de las melodías más hermosas de la historia del cine como Memorias de África o Bailando con Lobos. <br /><br />Mis obras favoritas suyas no son tan conocidas en general, pero sí me parecen que tienen algo más que una bella melodía, cosa que opino sobre Memorias de África. Con la ayuda de Spotify, os dejo unos enlaces a algunos de sus mejores trabajos en mi opinión:<br /><br /><a href="http://open.spotify.com/album/2SJ9JGcA4NWdSR3Ht4nLjH">El León en Invierno.</a><br /><br /><a href="http://open.spotify.com/album/4BVd2gkQNWj30YN5P3r8Av">Al Servicio Secreto de su Majestad.</a><br /><br /><a href="http://open.spotify.com/album/1B0MjbGvUpOCS5Bh7uBJEg">Somewhere in Time.</a><br /><br /><a href="http://open.spotify.com/album/0Z4Vrnqe9T959fiFI2Xyax">Bailando con Lobos.</a><br /><br /><span style="font-weight:bold;">The Beyondness of Things</span> (No disponible en Spotify, es una obra de concierto compuesta a partir de su partitura rechazada para la película El Príncipe de las Mareas)<br /><br /><span style="font-weight:bold;">Chaplin</span> (tampoco disponible en Spotify)<br /><br />Como he dicho uno de los últimos clásicos de las bandas sonoras, al menos desde un punto de vista de popularidad. Un grupo cada vez más reducido donde hoy por hoy sólo quedarían John Williams y Ennio Morricone, al menos como compositores de fama mundial.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-28680066395492105062011-01-24T16:16:00.002+01:002011-01-24T23:04:00.237+01:00Te odioSigo recuperando cuentos viejos...<br /><br />Te odio. Créeme, no es nada personal. No es culpa tuya, nadie tiene la culpa de ser como es. Quizás sea yo, no lo descarto, aún no he leído, visto u oído a nadie decir que te odia. En cierto sentido, me alegro de ser el primero, aunque probablemente no lo sea. No creas que ésta es una decisión arbitraria fruto de un calentón. Nada más lejos de la realidad, te odio apoyado en un largo y meditado razonamiento que sería incapaz de reproducir palabra por palabra y, por lo tanto, no intentaría escribirlo de otra manera pues todo pensamiento imposible de ser reproducido tal cual se pensó no merece ser escrito. Sin embargo, tan largo y meditado razonamiento me llevó a una conclusión muy simple: Te odio porque te echaré de menos. La añoranza es nuestro único modo de intentar llenar un vacío, una ausencia, pero no es más que eso un intento, un reflejo, un recuerdo, la nada. Porque si es triste el hecho de echar de menos a alguien, es más triste comprobar que tampoco la pena dura. Por eso te odio, porque te echaré de menos, te odio porque algún día dejaré de hacerlo.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-88635336251422970922011-01-09T22:04:00.001+01:002011-01-09T22:05:49.728+01:00Sin títuloBuscando unas fotos, he encontrado un baúl de historias y cuentos viejos, bueno sólo un par, pero ya es todo un hallazgo que paso a compartir con vosotros. Aquí os dejo la primera que he encontrado.<br /><br />Él la ama en silencio, en secreto, tan sigilosamente que ni siquiera él está seguro de hacerlo. Por más que lo piensa, razona, siempre llega a la misma conclusión; sus sentimientos, sus emociones, sus reacciones corresponden a los de una persona enamorada. Pero, ¿y ella? A la otra me refiero, ésa que en otros términos sería la suya, que no la otra. A ella también la ama, además con una profundidad e intensidad que nunca había sentido antes. Él se encontraba perdido, inestable, incompleto hasta que ella lo encontró. Él, hoy por hoy, no se entendería sin ella, la otra. Y, sin embargo, en su plenitud, en su perfección, aparece ella, que no es la suya, aunque podría ser la otra, pero tampoco lo es. La que en su momento fue, significó aventura ahora es estabilidad mientras que ella implica emoción y riesgo. Quizás por eso la ame, si bien no lo sabe o no quiere saberlo o simplemente no le ha puesto nombre, porque todo pasa a ser algo cuando lo nombramos por primera vez. Además, ¿cómo nombrar algo que no se sabe exactamente lo que es? Quizás sólo sea la emoción de lo desconocido, de lo prohibido. Quizás sólo se consuele pensando eso. Deseando que no sea la otra, la convierte en un sueño, un sueño donde ella es ella y la otra, la suya… ¡vaya! como esta historia… Pero siendo ella, que no la otra, la suya, sueña estabilidad y felicidad, mientras que la suya, que es él y, en su sueño, la otra, sería ahora la aventura, como al principio, cuando sólo estaba ella y lo salvó. Y soñando recuerda cosas no vividas, tampoco añoradas, recuerdos de un sueño, al fin y al cabo. Y sueña que ama a las dos por igual, a la suya y a ella, que es la otra, aunque ella no lo sepa, un sueño a todas luces imposible. Y, entonces, despierta y se siente un cobarde, aunque quizás no lo sea, por no lanzarse a la aventura, quizás la última, y decirle a ella, la que en sueños es la suya y, las malas lenguas dirían la otra, lo que no está seguro de sentir. Otros preferirían vivir la que podría ser la aventura más grande jamás soñada, él prefiere vivir que también puede ser una gran aventura.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-44810601540848420622011-01-09T19:32:00.003+01:002011-01-09T22:03:00.094+01:00Un programa para un concierto sobre John Williams - Segunda parteTras las navidades, los empachos, los excesos de todo tipo, los propósitos para un año nuevo, etc. seguimos con nuestro concierto.<br /><br />En homenaje a las fiestas pasadas y aprovechando que el coro ya ocupa su lugar detrás de la orquesta comenzaremos con un villancico.<br /><br />Compuesto para la banda sonora de Solo en Casa 2: Perdido en Nueva York, <a href="http://open.spotify.com/track/4HZzrm6UpESS9awUsaX1eE">Merry Christmas, Merry Christmas</a> es un perfecto de ejemplo de los diferentes villancicos escritos por Williams para ambas partes de la saga y su perfecta integración en el canon clásico americano. De hecho, algunas de estas piezas, como Somewhere in my Memory o Christmas Star, ya son parte del repertorio tradicional en algunos conciertos celebrados durante estas fechas en Estados Unidos.<br /><br />Para proseguir con el tono festivo, nada mejor que <a href="http://open.spotify.com/track/1td1Am6mQgFYyAnkUl90WS">Dry Your Tears, Afrika</a> perteneciente a la banda sonora de Amistad. Es una oda a la libertad, festiva, con mezcla de instrumentación clásica con africana en una de esas mezclas heterogéneas a las que Williams es bastante habitual.<br /><br />Dejemos descansar un rato al coro para extraer lo mejor de la orquesta. Con <a href="http://open.spotify.com/track/6xSmQR4KZB5iuTuMkFV7sg">Dance of the Witches</a> recuperamos el Williams más frenético con este brillante juego orquestal, claro precursor del sonido "Elfmaniano". Una pieza que va de menos a más con un ritmo endiablado, nunca mejor dicho, para acabar con verdadero tour de force por parte de la orquesta.<br /><br />Ahora una pequeña suite de la película Munich, a modo de previo de la suite final. Son tres piezas: <a href="http://open.spotify.com/track/6agT02Uf1sk0H7CGguf5c3">Remembering Munich</a>, <a href="http://open.spotify.com/track/7l1PDkpmmi9GdUUC0cPVQs">Avner and Daphna</a> y <a href="http://open.spotify.com/track/2Yu4n95zTSXkg6784nch7g">A prayer for peace</a>. El primero es un tema que ya he puesto alguna vez en el blog. En él Lisbeth Scott pone voz al dolor desgarrador, el dolor de una madre llorando por su hijo. Esta misma melodía prosigue en el siguiente corte, si bien su tono se torna esperanzado y la misma música que servía para expresar el dolor se torna en la voz del amor de una pareja. Finalmente un tema elegíaco que evoca la paz deseada en Oriente Próximo. Son tres temas brillantes, emotivos, del mejor Williams, que, además, destacan por la ausencia de los metales. Únicamente cuerdas, maderas y voz, pero qué voz.<br /><br /><br />Para finalizar el concierto, recurrimos a una suite ya clásica en el repertorio del compositor norteamericano que, además, ya está presente en diferentes regrabaciones en sellos como Deutsche Grammophon o Naxos. Se trata de <span style="font-style:italic;">Three Pieces from Schindler's List</span>, una obra que consta de tres movimientos, como su nombre indica: <a href="http://open.spotify.com/track/6oO2zAO8beNZczBgU5B73I">Theme from Schindler's List</a>, <a href="http://open.spotify.com/track/0UP1nq6whXP74q2iilodDc">Jewish Town</a> y <a href="http://open.spotify.com/track/4BQVZl1h5oEVeLtyyNNYwh">Remembrances</a>. Compuestos a partir de piezas pertenecientes a la banda sonora de La Lista de Schindler y, en una interpretación a cargo de Gil Shaham y John Williams (en mi opinión superior a la original, sobre todo por su calidad de sonido), estas tres composiciones hablan del dolor del pueblo judío, del calvario por el que pasó en el Holocausto, de todo lo que dejaron atrás. Es una música de una belleza sobrecogedora, que mueve y conmueve, cuya escucha no te deja impasible. Cualquier palabra es poca ante la belleza de esta suite.<br /><br />Con este último bloque daríamos fin al concierto. La ovación es enorme, como os podéis imaginar, a la orquesta y al director les es imposible irse. Pero tras varios minutos el director da la orden y poco a poco abandonan el escenario, como también hace el público, como hacemos nosotros, volviendo a nuestra realidad triste o alegre, pero nuestra al fin y al cabo.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-39742192230205567392010-12-21T22:30:00.005+01:002010-12-21T23:46:43.222+01:00Un programa para un concierto sobre John Williams - Primera parteHoy os invito a un concierto. Es un evento especial en el que yo mismo he elegido el programa. El lugar puede ser el salón de vuestra casa, el despacho donde tengáis el ordenador o, simplemente cerrando los ojos, la mejor sala de música que podáis imaginar. Podéis acudir solos en compañía, no importa, pues lo que cuenta es disfrutar, dejarse llevar por el sonido, por la vibración, por la música, por la emoción. <br /><br />El programa, que como ya he dicho es especial, está íntegramente compuesto por obras de John Williams, mas no esperéis encontrar aquí las melodías que más famoso le han hecho. He optado por elegir sus partituras más contenidas, aquellas donde la cuerdas predominan sobre los metales o es un instrumento solista el protagonista. Unas obras las conoceréis otras no tanto, si os sorprendo mejor, si no espero que disfrutéis lo ya conocido.<br /><br />Sin más preámbulos, comencemos.<br /><br /><span style="font-weight:bold;">Primera Parte</span><br /><br />Sobre el escenario, con los miembros de la orquesta ya presentes observamos que habrá un intérprete solista para comenzar el concierto. Es un violoncelista. Como todos sus compañeros permanece expectante a que el director dé comienzo al concierto. Y ahí va, tres, dos, uno.<br /><br /><a href="http://open.spotify.com/track/4GAyXfiaFZI4GltK40Lt7C"><span style="font-style:italic;">Seven years in Tibet</span></a><br /><br />Una gran obertura como este concierto se merece. Toda la sección de cuerdas, apoyadas por los metales y los vientos madera, dan comienzo a la música para poco a poco ir cediendo el paso al cello solista, que interpretará una de las más bellas melodías escritas por el compositor Neoyorquino. Es una pieza con dos partes bien diferenciadas; una primera donde la bella melodía es la gran protagonista, primero con la orquesta en pleno, luego con el cello solista para finalmente cerrarse con la orquesta de nuevo y dar paso a una segunda parte (minuto cuatro) donde la música se vuelve más local, más influenciada por la música tibetana y también más dramática, con un leve apunte de la melodía inicial, esta vez ejecutada únicamente por el piano.<br /><br />Para continuar, un breve tema, también perteneciente a la película Siete Años en el Tíbet. Es un tema que intenta reflejar el reencuentro entre un padre y un hijo, y su reconciliación tras un largo tiempo ausentes el uno del otro.<br /><br /><a href="http://open.spotify.com/track/6quCg3E4arrHoPUbA5ytZZ"><span style="font-style:italic;">Regaining a Son</span></a> <br /><br />Es un tema muy sencillo basado en una única melodía, a la que casi al final se le añade el tema principal que hemos escuchado en la pieza anterior. Un cierre esperanzado que nos indica que todo irá bien entre los dos, padre e hijo, a partir de ese momento. <br /><br />Pero y si al padre, pasado un tiempo, ¿sólo le quedaran los recuerdos de un hijo perdido?. El compositor, en una obra posterior retoma la melodía para el funeral por los hijos de una de los violines de la pieza que acabamos de escuchar.<br /><br /><a href="http://open.spotify.com/track/5igMT87brWYKsd1WdmxOcG"><span style="font-style:italic;">Elegy for cello and orchestra</span></a><br /><br />Si habéis seguido este blog, ya sabréis que tengo predilección por esta pieza, así que no comento nada y os dejo disfrutar con su belleza.<br /><br />Es hora de dejar descansar al cello y pasar a una pieza más animada. La elegida para la ocasión es para una comedia de Steven Spielberg bastante reciente, La Terminal.<br /><br /><a href="http://open.spotify.com/track/3Ul0MDcvmh32RsrBChzcxz">Destiny, canneloni and the tale of Viktor Navorski</a><br /><br />A partir de una sencilla melodía a piano, muy deudora la etapa jazzística de Williams, se da paso a la orquesta que continuando la melodía desemboca en el tema principal del film. La melodía de Viktor Navorski tiene como solista destacado al clarinete que lleva el peso de la pieza, una música juguetona de clara inspiración rusa, a lo que contribuye sin duda el acordeón doblando al clarinete en algunos momentos. En resumen una melodía con un ritmo infeccioso que se queda pegada al subconsciente y que se escucha con una sonrisa en el rostro.<br /><br />Para cerrar esta primera parte del concierto me parece una buena idea recurrir a la suite de Memorias de una Geisha, una de las últimas grandes obras del compositor editadas.<br /><a href="http://open.spotify.com/track/74irPhBsHymEiTKU8LEsQR"><span style="font-weight:bold;">Sayuri's Theme</span></a><br /><a href="http://open.spotify.com/track/0WfdVokzbHNVGpVOSE4Hoi"><span style="font-style:italic;">Going to school</span></a><br /><a href="http://open.spotify.com/track/5DPrNbIb1PyDnYskmWhPTt"><span style="font-style:italic;">The Chairman's Waltz</span></a><br /><a href="http://open.spotify.com/track/3k6dKhQsHhe3whCKWFtgan"><span style="font-style:italic;">Brush on silk</span></a><br /><a href="http://open.spotify.com/track/3i0k0j4XWFtLcvONv8FBPG"><span style="font-style:italic;">Chiyo's prayer</span></a><br /><a href="http://open.spotify.com/track/597V8xqmpTUpyTyhGDQK2G"><span style="font-style:italic;">Becoming a Geisha</span></a><br /><br />Una extensa suite que nos traslada en el tiempo y el espacio al Japón de la II Guerra Mundial. Una partitura atenta en todo momento a los detalles, donde encontramos tres intrumentos solistas el cello, el violín y el shakuhachi. Es una partitura íntima donde podemos encontrar desde las disonancias del tema Brush on silk a la delicada belleza de The Chairman's Waltz, uno de los mejores movimientos de la suite.<br /><br />Con este bloque llegaríamos al final de la primera parte del concierto. Espero que la hayáis disfrutado y es momento de levantarse y estirar las piernas, discutir con tu compañero de audición o ir al baño. Aunque este descanso será más largo que los quince minutos de rigor, así que tendréis tiempo para retomar vuestra vida antes de que llegue la segunda parte del concierto.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-49749411590583798002010-11-15T21:29:00.003+01:002010-11-15T21:56:24.752+01:00TiempoAcompáñame por el camino. No mires delante, tampoco detrás. Ni el futuro ni el pasado ya importan. De sólo el presente te has de ocupar. De tu presente que soy yo, ahora, ayer y siempre. Tu presente infinito que fue futuro y será pasado. Cuando llegue mañana, ya no me verás, como ayer no me viste, pues sólo en el hoy existo. Pero cuando mañana sea hoy, al igual que ayer también lo fue, allí estaré esperándote como esperándote estuve. Llegará un hoy en el que tú sólo serás ayer y nunca más mañana. Ese hoy seré un presente caduco, cargado de ayeres que nunca quiera ver más mañanas, pues el hoy puede ser soportable sin ayer, pero nunca sin mañana.<br /><br />El caso es que para la vuelta a blog, quería hacer un minipost diciendo que iba a dedicar la semana a escuchar la música de Henryk Gorecki, compositor polaco recientemente fallecido y del que siempre postergaba la audición de sus obras, a pesar de tener mucha curiosidad por su obra. Pero me ha salido lo de arriba que me ha parecido divertido. Prometo volver pronto y escribir qué me ha parecido la música de Gorecki. Empezaré por la que parece ser su pieza más reconocida, su tercera sinfonía o <a href="spotify:album:6BmncZYEjXnQiJ3KQ4ZMKm">Sinfonía de las Lamentaciones</a>. Una pieza divertida no parece, desde luego.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-25056281954085892402010-05-09T09:33:00.005+02:002010-08-01T22:21:07.304+02:00Los "plagios" en la música de cineEl tema de los "plagios" en el mundo de las bandas sonoras viene de lejos y es uno de sus temas más espinosos, pues siempre acaba generando polémica. Una polémica en la que siempre salen a relucir los nombre de los mismos compositores, siendo James Horner el ejemplo más claro.<br /><br />El motivo de este post es el de tratar de justificar estos plagios, o al menos explicar su origen en muchos casos. Para hacerlo, voy a partir del que es mi compositor favorito y por lo tanto el que más conozco. Pero ejemplo como éstos se pueden encontrar para cualquier compositor.<br /><br />Como temp-tracks se conoce en el mundo del cine a la música que el director y el montador usan durante el montaje como referencia y encontrar el ritmo adecuado a la película. Muchas veces esta música también se utiliza para indicarle al compositor del film el estilo o la estructura o duración de la música a utilizar en una determinada escena. Por lo tanto ya desde el principio al músico se le marcan unas pautas muy claras de lo que se busca, lo que supone ya sin duda una limitación a la creatividad del compositor. Aun así un buen músico ha de saber integrar estas marcas en su propia música de manera que el conjunto resultante sea coherente y tenga personalidad propia. Eso suponiendo que el director le deje. Ciertos realizadores le cogen tanto cariño a la música que han usado durante el montaje, que luego la emplean también en el montaje final, dañando la coherencia musical buscada por el compositor. Un claro ejemplo en este sentido es Ridley Scott que en Alien emplea música de Freud de Jerry Goldsmith o, también, en El Reino de los Cielos (música de Harry Gregson-Williams) donde emplea una pistas de El Guerrero nº13, también de Goldsmith, o el Vide Cor Meum compuesta por Patrick Cassidy para Hannibal.<br /><br />Martin Scorsese es un director muy dado a tirar de temp track, aunque en su caso sí que hay cierta coherencia y suele no utilizar música original, descartando en algunos casos partituras ya compuestas (Gangs of New York de Elmer Bernstein, por ejemplo) en favor de la música que había empleado durante el montaje.<br /><br />En otros casos el compositor está obligado a acercarse lo máximo posible a la pieza original o, es el propio músico el que decide homenajear una pieza u otro músico en concreto. A continuación os dejo unos cuantos ejemplos, la mayoría de John Williams que es el compositor que más conozco.<br /><br />Probablemente el nombre de King's Row no os sonará, pero si escucháis este fragmento igual os recuerda a algo:<a href="http://open.spotify.com/track/2SrnOY9yaLCOlqhER4OkTa">Main Title de King's Row</a><br />Efectivamente, recuerda al tema principal de Star Wars. En este caso es el propio compositor, John Williams, a modo de homenaje a Erich Wolfgang Korngold, pues no hay duda de que la banda sonora de La Guerra de las Galaxias significó el retorno del gran sinfonismo al cine de aventuras. Se puede discutir la interpretación de esto si se quiere, pero es el propio Williams en multitud de entrevistas el que señalaba a King's Row como ejemplo, siendo precisamente ésta una obra poco conocida de Korngold, o al menos no tanto como otras obras suyas como El Halcón del Mar (The Sea Hawk) o Las aventuras de Robin Hood (The adventures of Robin Hood, ambas protagonizadas por Errol Flynn.<br /><br />Siguiendo con Williams, pasemos a un caso claro de temp-tracking entendido como un ejemplo en el que el compositor ha tenido que ceñirse a las instrucciones del director para lograr un tema que suene similar al usado durante el montaje. Comparemos entonces este tema: <a href="http://open.spotify.com/track/392cd1euczCOcZAs0SvvZS">Main Theme de El Último Emperador</a>, compuesta por David Byrne, con este otro: <a href="http://open.spotify.com/track/0WfdVokzbHNVGpVOSE4Hoi">Going to school de Memorias de una Geisha</a> de John Williams. El comienzo se podría decir que es idéntico en ambos temas, si bien sus desarrollos son muy diferentes y el de Williams, perfectamente integrado en su partitura original.<br /><br />Otro ejemplo, de este caso sería este otro. Primero, el famosísimo <a href="http://open.spotify.com/track/4dA2Gmhv5MstPRsZoOBJsz">Trepak</a> de El Cascanueces compuesto por Tchaikovsky y comparémoslo con <a href="http://open.spotify.com/track/6bEfCqkYkBLulBKvJWjhdD">Holiday Flight</a> de Solo en Casa, compuesto por Williams. El parecido es innegable, hast tal punto que el propio compositor en una posterior adaptación como pieza de concierto lo varió ligeramente ampliando las diferencias e, incluso, componiendo un tema jazzístico totalmente diferente para la segunda parte del film, que fue desechado por el director. Aun así, y como ocurre con todos los buenos compositores el tema impuesto acaba estando perfectamente integrado en el conjunto de la obra.<br /><br />Ahora vayámonos al extremo opuesto y cojamos un ejemplo de plagio, con demanda de por medio incluida. Si escuchamos el tema <a href="http://open.spotify.com/track/1RV8GHgM9dIO0okFI8evFP">Returns a King</a> compuesto por Tyler Bates para la banda sonora de 300, descubriríamos una música con mucha fuerza y muy elaborada, con un excelente empleo de la orquestación y de los coros. La lástima es que ese tema ya existiese previamente, se llama <a href="http://open.spotify.com/track/2QHJn4HREriZlemhIEx1cw">Victorious Titus</a> está compuesto por Elliot Goldenthal y pertenecea a la banda sonora de Titus. Como podéis observar, incluso en los links de Spotify, hubo demanda de por medio, que ganó Goldenthal por supuesto, y desde entonces en todos los discos y descargas digitales de la banda sonora de 300 así como en los dvds de la película, los productores están obligados a incluir el nombre de Elliot Goldenthal.<br /><br />Entre los temp-tracks de Williams y el de Bates hay toda una gama de grises. Un caso similar al de Bates sería el de la música de Cariño he encogido a los niños de James Horner, que sableaba sin remordimientos el tema de Amarcord de Nino Rota. En este caso también hubo denuncia de por medio, que perdió Horner. Lamentablemente, no tengo ejemplos musicales de este caso.<br /><br />Siguiendo con Horner, podríamos hablar de sus numerosas autocitas, algo común a todos los compositores, pero que en Horner tiene un cariz mucho más acentuado. Este tema, requeriría de un post completo, pues los ejemplos son obvios y numerosos. Por eso aquí comentaré, un par de sus temp-tracks más conocidos.<br /><br />El <a href="http://open.spotify.com/track/0GYPUKJeyofgoswos6r8FW">tema principal </a>de la película Willow es muy conocido, pero si escucháramos este fragmento deduciríamos que unos cuantos años atrás Robert Schumann, ya había compuesto algo similar para el <a href="http://open.spotify.com/track/1fDL39iX1rAZg3hxKlGhW4">Primer Movimiento </a>de su 3ª Sinfonía. En este caso el tema de la imposición del director está mucho más difuso pues el tema de Willow se puede escuchar así únicamente en los créditos finales de la película. Además el compositor nunca ha hecho referencia a Schumann como inspiración o ejemplo.<br /><br />Otro ejemplo sería el <a href="http://open.spotify.com/track/1TvpEAMfSY9c7WNTefmQWE">tema de Tania </a> de la película Enemigo de a las puertas, también de Horner, frente al conocidísimo <a href="http://open.spotify.com/track/3DzMT13HJV7EsbVbNZZJZQ">Tema principal de La Lista de Schindler</a>. Si bien en este caso sí que parece clara la imposición del director, amén de que las primeras notas de la versión de Horner ya aparecen como un tema propio en trabajos anteriores del compositor, como, por ejemplo, en Titanic.<br /><br />Estoy viendo que aún me quedan más ejemplos que poner, y me está quedando un post un tanto largo, así que paro aquí y seguiré más adelante con más ejemplos.<br /><br />Sólo indicar, lo que decía al principio del texto, que en los casos de "temp-tracks", no hay que demonizar al compositor, pues no deja de cumplir lo mandado por su jefe. No nos olvidemos, que el cine, sobre todo el americano, es una industria que mueve mucho dinero y el compositor, por muy reconocido que sea, no es más que una pieza más del engranaje.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-55098331845814806812010-03-21T12:56:00.009+01:002010-03-24T07:02:30.908+01:00Una escena perfecta:Muerte de John Rooney - Camino a la Perdición (Road to Perdition)Antes de retomar mi andadura por este blog me gustaría daros las gracias a todos por vuestros ánimos y por vuestras peticiones para que vuelva a escribir. Muchas gracias de verdad por demostrarme que hay alguien ahí fuera.<br /><br />Ahora vamos al grano, para mi vuelta al blog he decidido escribir sobre la que, para mí, es una de las mejores escenas de la historia del cine. Una rara conjunción de brillante puesta en escena, magistral fotografía, excelente música y grandes interpretaciones. Una secuencia que demuestra que el cine no es sólo teatro filmado, y que el guión, muchas veces sobrevalorado, no siempre es tan importante como sí lo es en el teatro, por ejemplo.<br /><br />La secuencia corresponde a la mejor película filmada, curiosamente, por un director de teatro, el británico, Sam Mendes. Su nombre es Camino a la Perdición (Road to Perdition). Y la secuencia en cuestión es aquélla en la que el personaje interpretado <br />Tom Hanks da muerte a la persona que le ha dado la vida y la muerte, el gangster para el que trabajaba, interpretado magistralmente por Paul Newman, en su última aparición en la gran pantalla.<br /><br />El primer elemento a destacar de la escena, y de toda la película, es la asombrosa fotografía de Conrad L. Hall, uno de los mejores directores de fotografía de la historia, en el que fue su, inmejorable, testamento cinematográfico que, ademas, fue merecedor de un Oscar póstumo. Su trabajo con las sombras, la tenue iluminación callejera y la lluvia es la obra de un maestro en estado de gracia. Si tienes por afición la fotografía, la película te puede gustar más o menos, pero es una obra de visionado imprescindible, a la que, por cierto, el vídeo que he puesto no puede hacerle justicia.<br /><br />El otro punto fuerte es la sobriedad en la puesta en escena por parte de Mendes, yendo del plano general al particular, de modo que nunca perdamos detalle del avejentado rostro de Newman. Usando los mínimos movimientos de cámara y empleando el montaje así como el enfoque/desenfoque cuando verdugo y víctima se enfrentan. La planificación, el tempo narrativo son perfectos. Y todo realizado desde una aparente sencillez, en una película que, además, no destaca precisamente por esa sencillez en su puesta en escena, ya que cuenta con algunas secuencias muy elaboradas.<br /> <br />Sin diálogos muchas veces parece ser difícil juzgar las interpretaciones de los actores. No es éste el caso, las interpretaciones tanto de Tom Hanks como de Paul Newman transmiten perfectamente el estado de sus personajes con lo mínimo. Notar por ejemplo, el cambio en el rostro de Hanks cuando realiza el último crimen o la expresión de Newman cuando se da cuenta de que ése va a ser su final. En una secuencia de más de tres minutos sólo se articula una frase, no hay necesidad de más. Tal es la maestría en la dirección y en las interpretaciones.<br /><br />El último punto a destacar es la música compuesta por Thomas Newman. Newman es un compositor con un estilo propio muy característico e identificativo, que ha generado multitud de imitaciones y se ha granjeado un prestigio muy merecido en el mundo del Cine. La secuencia comienza con el sonido de la lluvia que poco Rooney descubre que va a morir. Es un piano, reflejando el dúo de piano que abre el film con Hanks y Newman a modo de padre e hijo, pero tristón, lento, como desganado, con un acompañamiento sombrío de las cuerdas y efectos de sintetizador. Toda la secuencia sigue este esquema hasta que cesan los disparos (que no han estado acompañados de efectos sonoros en ningún momento) y comenzamos a ver una sombra en la lluvia que se acerca a Rooney. Las cuerdas toman protagonismo resaltando el hecho de que el hijo vaya a matar al padre, tornándose mucho más trágicas que en el tramo inicial, en un crescendo en intensidad que se ve cortado con el ruido de los disparos con que el personaje de Hanks mata a Rooney. Tras el silencio vuelve el piano a modo conclusivo con una mayor compañía de los efectos sintetizados. El resultado si bien en disco (tema Ghosts) no resulta especialmente llamativo, con las imagenes resulta muy poderoso y un ejemplo perfecto de empleo inteligente de la música de cine para enriquecer las imágenes.<br /><br />No me explayo más, aquí os dejo con la secuencia perfecta. Disfrutadla.<br /><br />PD:Esta noche subiré un vídeo con mejor calidad que, al menos respete la relación de aspecto de la película. <br /><span style="font-weight:bold;">PD2: Ya está subido el vídeo con bastante más calidad.</span><br /><br /><object width="640" height="385"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/_ZdSfpkRUD8&hl=es_ES&fs=1&"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/_ZdSfpkRUD8&hl=es_ES&fs=1&" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="640" height="385"></embed></object>José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-72383438327401501782009-12-10T20:08:00.003+01:002009-12-18T11:54:09.335+01:00La música del dolorQué música puede expresar el dolor o más bien, cómo expresarías musicalmente el dolor, el padecimiento. Supongo que hay mil y una piezas al respecto, pero en mi caso hay dos que lo representan perfectamente, o al menos dos facetas del mismo.<br /><br />El primero sería el dolor desgarrador, el que te arrasa y te destruye desde dentro. Ese tipo de padecimiento para mí sonaría a este tema de la banda sonora de Munich, compuesta por John Williams e interpretado por Lisbeth Scott: <a href="http://open.spotify.com/track/6agT02Uf1sk0H7CGguf5c3">Remembering Munich.</a> Es un grito de desesperación y abatimiento, que transmite el mayor de los dolores posibles.<br /><br />El otro fragmento es mucho más contenido, transmite un dolor enorme pero también la belleza de lo perdido, los recuerdos que poseemos. Es un tema que ya he puesto en el blog, <a href="http://open.spotify.com/track/5igMT87brWYKsd1WdmxOcG">Elegy for Cello and Orchestra</a> también de John Williams, esta vez interpretado por Yo Yo Ma. Este tema fue compuesto por el compositor norteamericano para el funeral por los dos hijos de una violinista de la orquesta que grabó la banda sonora de Siete años en el Tíbet. A partir del tema <a href="http://open.spotify.com/track/6quCg3E4arrHoPUbA5ytZZ">Regaining a son</a> Williams elabora un tema elegíaco que transmite la enorme tristeza de la pérdida pero también la importancia y la belleza de los recuerdos. <br /><br />Como he dicho antes, hay mil temas, pero los míos son estos.<br /><br />PD: No me verías nacer y lo hiciste. Ya no estarías para mi bautizo o mi comunión, pero allí estuviste. Como también hiciste con tus otros cuatro nietos, Néstor,Juan, Marian, Vero. Tu último deseo era ver la boda de tu nieto pero para cumplirlo hiciste el más difícil de los tratos con quien no debías y ayer vino a cobrar su deuda. Te acabas de ir y ya te echo de menos, muchísimo. Te quiero mucho, abuela.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-77189279224554671652009-11-29T22:36:00.006+01:002009-11-30T10:15:34.885+01:00Lisbeth Scott<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://www.lisbethscott.com/images/photos/lisbeth2.jpg"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 317px; height: 427px;" src="http://www.lisbethscott.com/images/photos/lisbeth2.jpg" border="0" alt="" /></a><br />A muchos no os sonará este nombre y sin embargo la gran mayoría habréis oído/escuchado su voz en la banda sonora de alguna película reciente.<br /><br />Su nombre es Lisbeth Scott y es una vocalista y compositora norteamericana con un registro de voz amplio y potente, aunque etéreo si quiere. Esta característica la ha convertido en un referente a la hora de usar la voz como instrumento en una partitura compuesta para el cine. <br /><br />Yo, personalmente, la descubrí en Munich, película de Steven Spielberg con una partitura escrita por John Williams. El propio Williams, asombrado por las cualidades vocales (doble sentido no pretendido) de la cantante, escribió un tema solista para aprovechar su prodigiosa voz al máximo y al que la vocalista puso letra (si bien en un idioma inventado). Ese tema se llama Remembering Munich y <a href="http://open.spotify.com/track/6agT02Uf1sk0H7CGguf5c3">aquí </a>lo podéis escuchar.<br /><br />Aparte de su colaboración con John Williams, también es muy destacable su participación en la Pasión de Cristo, compuesta por John Debney y en el Reino de los Cielos de Harry Gregson-Williams. Precisamente a esta última banda sonora pertenece el tema <a href="http://open.spotify.com/track/7oDlRESwK8YRUFGAwvUbmA">Coronation</a>, donde podemos escuchar su voz, en un registro más agudo que en el caso anterior(a partir de 1m 50s).<br /><br />Otro registro muy diferente, cercano a Björk esta vez, lo encontraríamos en la música que Harry Gregson-Williams compuso para las Crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario. En concreto en el corte <a href="http://open.spotify.com/track/3dcd65rXEhbyxsJhT7TYle">Evacuating London</a>(al igual que antes a partir de 1m 50s). En esta película además compondría junto a Gregson-Williams una de las canciones de la secuencia de créditos, <a href="http://open.spotify.com/track/2nHjig4HIIZIKEdGdOth2i">Where</a>, una balada pop que vuelve a demostrar su versatilidad.<br /><br />Ha colaborado también en las bandas sonoras de Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Crista, Shrek, Transformes II, Piratas del Caribe o Sleepy Hollow. Además entre sus próximos trabajos se incluye la esperadísima Avatar de James Horner. También ha participado en la banda sonora de la serie <a href="http://open.spotify.com/album/1bmSwaXhXAR7AxyFIsVcbf">True Blood</a>, para la que incluso ha compuesto algunos temas.<br /><br />Aparte de su labor como cantante en proyectos ajenos tiene una carrera estable como cantautora, con ocho discos en solitario, acabando de presentar un disco de villancicos. Su estilo es muy relajante, new age por así decir, si eso quiere decir algo, pero siempre disfrutable. De los que he escuchado, el disco <a href="http://open.spotify.com/album/4AkXo4SCdrIFZre3Z2SSqw">Passionate Voice</a> me parece su mejor trabajo.<br /><br />Por cierto, puesto que no hay demasiadas fotos suyas en la red, adjunto una que me hice con ella durante el congreso de música de cine de Úbeda de hace unos años.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://photos1.blogger.com/blogger/1485/3070/320/DSCN0923%20%28Medium%29.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 240px;" src="http://photos1.blogger.com/blogger/1485/3070/320/DSCN0923%20%28Medium%29.jpg" border="0" alt="" /></a><br /><br />PD: <a href="http://alrededordelamusica.blogspot.com/2009/11/cuerdas-vocales-cantando.html">Éstas </a>podrían ser sus cuerdas vocales,jeje.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-8008938374046396252009-11-16T22:47:00.003+01:002009-11-17T20:21:24.510+01:00Abandoned in the woods de Inteligencia Artificial. Música de John Williams.<object width="560" height="340"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/gi23jRj9Eg0&hl=es_ES&fs=1&rel=0"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/gi23jRj9Eg0&hl=es_ES&fs=1&rel=0" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="560" height="340"></embed></object><br /><br />Aviso a navegantes: Lo que sigue a continuación es uno de los posts más friquis que jamás he escrito en el blog. Quedáis avisados.<br /><br />El vídeo que podéis ver sobre estas líneas corresponde a una escena decisiva de la película Inteligencia Artificial de Steven Spielberg con música de John Williams. Tras un accidente en la piscina que casi acaba con la muerte de su hijo biológico, Monica decide llevarse a su hijo meca, David, de excursión al bosque, aunque su verdadera intención es devolverlo a la fábrica de la que salió, Cybertronics.<br /><br />Mi intención con este post, y con otros que, espero, vendrán después, es la de desmenuzar el uso de la música en una película, mediante ejemplos que considero excepcionales. Es un objetivo el que me planteo meramente didáctico, para que el lector no versado en el mundo de las bandas sonoras logre comprenderlas un poco mejor.<br /><br />He elegido esta escena porque es un ejemplo perfecto de música empleada para la descripción psicológica de una situación y no meramente descriptiva de la acción. La partitura escrita por Williams atiende en todo momento a los sentimientos de los personajes. En el vídeo, he añadido unas anotaciones para poder seguir mi explicación sobre las imágenes.<br /><br />En un fragmento de 6 minutos, se entremezclan 3 temas musicales que nos explican el proceso por el que está pasando Monica. El primer tema en aparecer sería el asociado a la decisión de abandonar a David, pero al poco de empezar es interrumpido por el tema de David, empleado cuando Monica ve los dibujos que David le ha dejado encima de la mesa. Esta aparición del tema de David, modifica la posterior reaparición del tema de la decisión, volviéndose menos frío que en su primera aparición. A continuación mientras Monica le dice a David que al día siguiente saldrán de excursión, el tema de David reaparece, pero muy frío, indicando que no hay sinceridad en las palabras de Monica. Finalmente aparece intercalado el tema de la duda, un tema estructurado mediante dos escalas una ascendente y otra descendente, que representa de un modo perfecto las idas y venidas de la menta de una persona cuando duda sobre algo. Este tema, acompaña todo el viaje en coche, mostrando de un modo magistral todo el proceso de duda que Monica tiene en su cabeza.<br /><br />No nos encontramos ni frente a unas melodías ultrafamosas ni ante una de las escenas clásicas del cine. Pero aun así, personalmente, me parece una secuencia magistral aumentada por una maravillosa partitura de Williams, capaz de complementar y enriquecer las imágenes, pues es su música y no las palabras la que nos cuenta el estado, el proceso emocional que atraviesa Monica. Es una labor muy compleja e ingrata, pues en este tipo de escenas la música suele pasar desapercibida para el espectador.<br /><br />De todos modos, mucho mejor que leerme es ver la escena y disfrutar con ella. Si además tenéis habilitados las anotaciones de Youtube podréis ver los comentarios que he ido añadiendo a la escena, para seguir mejor las interacciones de los temas.<br /><br />Como he indicado antes, este post es el comienzo de una nueva tanda de posts dedicados a la música de cine. Debido a la tarea que supone seleccionar el fragmento, subirlo a Youtube y editar las anotaciones del vídeo, me he marcado como meta optimista hacer uno al mes, a ver si puedo cumplirlo.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-86745383816303005192009-11-14T19:46:00.001+01:002009-11-14T19:46:38.174+01:00Revolutionary Road de Sam Mendes<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifhAn6vAKK-cUSm1MElbIpZV3fOh6b7UgB0gR9i3mcr2z8OI3bbXvocZHN7Gj81uJvXvwXNFXVGQ6NFCuyaJW_sIYVJ5G9pyvMBX0-_K1KAj1sMSMNGhfBM8tHhNSNAHsFCEOB/s1600-h/revolutionary-road-poster-full.jpg"><img style="float:left; margin:0 10px 10px 0;cursor:pointer; cursor:hand;width: 214px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifhAn6vAKK-cUSm1MElbIpZV3fOh6b7UgB0gR9i3mcr2z8OI3bbXvocZHN7Gj81uJvXvwXNFXVGQ6NFCuyaJW_sIYVJ5G9pyvMBX0-_K1KAj1sMSMNGhfBM8tHhNSNAHsFCEOB/s320/revolutionary-road-poster-full.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5404032229704700146" /></a><br />Revolutionary Road supone el reencuentro cinematográfico, tras más de diez años, de las estrellas de Titanic: Kate Winslet y Leonardo diCaprio, aunque esta vez bajo la batuta de Sam Mendes, director de American Beauty o Camino a la Perdición y marido de la actriz británica. <br /><br />Frank y April son una pareja modélica a ojos del vecindario de Revolutionary Road. Pero de puertas para dentro las cosas son muy distintas. La infelicidad ha echado raíces y sólo el sueño de mudarse a París parece que les dé ánimos para continuar.<br /><br />Como se puede observar fácilmente, Sam Mendes, un prestigioso director teatral, pisa terreno ya conocido. No en vano, la breve sinopsis argumental bien podría servir para el film que significó su debut como director: American Beauty. Si bien la principal diferencia es la absoluta falta del sentido del humor y la acidez de aquélla. Revolutionary Road es una película más seca, más arisca, más dura, pero no necesariamente mejor. <br /><br />Basada en la novela homónima de Richard Yates, la película deja muy marcado desde el principio la profunda crisis que tiene la pareja; unos jóvenes ilusionados prematuramente casados y padres de dos hijos no deseados, que no son más que obstáculo en sus sueños, en los sueños de ella realmente. Los diálogos de las diferentes peleas que se suceden a lo largo del metraje entre la pareja son hirientes, durísimos, hasta el punto que el espectador se pregunta cómo son capaces de vivir juntos. Frente a eso se opone la imagen que dan al exterior de pareja perfecta y de cuento de hadas, aunque también esta fachada poco a poco se va desvaneciendo. Frank tiene un trabajo que le frustra en la empresa donde trabajaba su padre y April es una actriz también frustrada que no se resigna a vivir como ama de casa y sueña con irse a vivir a París, con la esperanza de que todo cambie allí. Las peleas a cada cual más hiriente que la anterior se suceden, al igual que las infidelidades, hasta que el hijo de unos vecinos del barrio paciente de un psiquiátrico hace trizas también su fachada de cara al vecindario. En su camino al sueño, todo se derrumbará. Como se ve, una trama dura y realista, que quizás para resultar más efectiva debería haber mostrado algún contraste. Ya desde el principio vemos que la pareja tiene problemas serios y van de mal en peor, mostrando algunos retazos más de su vida anterior, por ejemplo, se conseguiría que el espectador se involucrara algo más, añadiendo algo de contraste al fatal devenir de los hecho. El cúmulo de elementos negativos es tal que el espectador llega a acostumbrarse. Otro punto negativo es el uso de los hijos de los protagonistas: son unos niños pequeños de 6-8 años que aparecen y desaparecen según convenga, siendo una sorpresa el hecho de que avanzada ya la película el espectador descubra que tienen dos hijos viviendo con ellos. Estos detalles impiden que el espectador se involucre más en el film y así conocer un poco mejor a los personajes, con el fin de lograr esa empatía tan necesaria en este tipo de películas.<br /><br />A nivel de dirección, Mendes vuelve a demostrar lo gran director de actores que es y su sentido de la elegancia para la puesta en escena, muy clásica, aunque sin el detallismo y la precisión de Camino a la Perdición. Además imprime al relato de un ritmo muy adecuado, en crescendo, consiguiendo que las dos horas de duración nunca pesen en el espectador. <br /><br />A nivel interpretativo, señalar la gran labor del reparto en su conjunto, destacando una magistral Kate Winslet. Precisa, contenida, sin excesos innecesarios, una de las mejores actuaciones femeninas que he visto en mucho tiempo. A su lado diCaprio mantiene el tipo, pero no la iguala, es un buen actor, pero al igual que Brad Pitt, limitado, por lo que recurre a tics que ya le hemos observado en otros Films. Entre los secundarios rescatar una perfecta Kathy Bates como vecina prototípica del barrio en el que viven.<br /><br />Dentro de los apartados técnicos indicar la perfecta fotografía en tonos ocres que luce el film (muy cuidado en este aspecto como todos los de su director) y la dirección artística que te transporta sin problemas a los años 50. La música de Thomas Newman resulta discreta, como es habitual en este autor le aporta un grado de frialdad al film, es una música que se involucra poco en la narración y no es capaz de dotar de ese algo más que ha de aporta una buena banda sonora, como sí hizo, mediante parámetros muy similares, en American Beauty.<br /><br />En resumen, Revolutionary Road nos muestra una magistral interpretación de Kate Winslet en una desesperanzada, dura y triste historia de sueños rotos, que no logra involucrar al espectador todo lo que sería necesario para resultar redonda. Aun así, es una película muy recomendable a todos sus niveles.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-20145422983778227222009-06-14T23:07:00.006+02:002009-06-14T23:23:22.793+02:00Spotify: Bandas sonoras adaptadas para salas de conciertoUna de las cosas que más extraño en el mundo de las bandas sonoras es su presencia en salas de concierto, sobre todo en España. Son pocas las oportunidades que tenemos los aficionados de asistir a un concierto cuyo programa esté compuesto por música compuesta para el cine, y los pocos que hay están más orientados a las familias que a los aficionados a la música. Quizás por ellos, muchos compositores han arreglado sus obras en forma de conciertos o suites que puedan ser interpretados en directo dentro del programa habitual de una orquesta sinfónica.<br /><br />Con la ayuda de Spotify, aquí os dejo unos ejemplos.<br /><br /><span style="font-weight:bold;">The Piano Concerto</span> de <span style="font-weight:bold;">Michael Nyman</span>, a partir de la banda sonora de la película El Piano.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://open.spotify.com/album/4OqEypW56VInz3jS4ZpaDi"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 319px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis35v6nAU0folE9erR-QLHvDkK6HreV5fubfRbdUMUofZa52Mdb0qrji6wSTt0dZiTmG1xO1DIn11uJJ__54jU7dKiBaY918X8ikeGxiu6bVz4RYk4pbdj287UMz7w_bTIM1BP/s320/tring.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347294721024289266" /></a><br /><span style="font-weight:bold;"><br />The Red Violin Concerto</span> de <span style="font-weight:bold;">John Corigliano</span>, a partir de su música para la banda sonora El Violín Rojo.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://open.spotify.com/album/3sSN9lDyN5rxoumS9NqXVz"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 320px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijGZ8yomb9yWtf2ORuL65g7O7o3vK7nXfuWtdi3WBXH5ICVC4xAj2dWDqWO3a0Rx7pgsDErF4bJSScQs99ArzRQzzWPkFZJt0SVMKPjn-EXcLNsndeduCCdso9Vkkd81MvDWSi/s320/Joshua_Bell_-_The_Red_Violin_Concerto.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347295555703882882" /></a><br /><span style="font-weight:bold;">Three Pieces from Schindler's list</span> de John Williams, a partir de la película homónima.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://open.spotify.com/album/06YsvnCxtmC163Pw3VfNI0"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 318px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIdpqKefos6C_S40rB4KPFUkkKQO9xoGcNxw6wBlq4-VpfGyHQODD6QQ8RmmBFJDYiySum06cUPWj3XfvSWXq7O0sWJQju8kgiuoqhFxSoo2Ag79rZjzQ2YS0sQ5YYisIouYI_/s320/durin_isabe_hebrewmel_101b.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5347296706545153970" /></a><br /><br />Pulsando en las portadas de los discos, podréis escuchar la música a través de spotify.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-60020817582685695542009-03-30T09:08:00.005+02:002009-03-30T14:52:11.757+02:00Maurice Jarre: Hasta siempre<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4DnOup4E86Z3r2fwbp6_oVbArxOxK8F-SybmlLH3_DxLG2xaY4yrbsPRpdG58tir6BxXhZ8Q46svprp8wnMQP1HOlW7l6qSZIIzLg51gaW0WZlLrUzPRRBXl0BWRIBa-b71Sb/s1600-h/jarre3.jpg"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;width: 207px; height: 260px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4DnOup4E86Z3r2fwbp6_oVbArxOxK8F-SybmlLH3_DxLG2xaY4yrbsPRpdG58tir6BxXhZ8Q46svprp8wnMQP1HOlW7l6qSZIIzLg51gaW0WZlLrUzPRRBXl0BWRIBa-b71Sb/s320/jarre3.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5318960893389912850" /></a><br />Nos ha dejado Maurice Jarre, probablemente uno de los compositores más famosos de bandas sonoras, aunque también uno de los más discutidos entre los aficionados. No soy un gran conocedor de su obra, pero creo que sólo por esas monumentales partituras Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago, ambas de David Lean, ya se merece un puesto entre los más grandes.<br /><br />Uno de los mejores conciertos que he presenciado fue el que ofreció en Valencia con motivo del congreso de música de cine que se celebraba dentro del marco de la Mostra de Cinema, donde dio un repaso muy completo a toda su carrera y demostró su afabilidad y un gran manejo de la orquesta.<br /><br />Si sois usuarios de spotify, <a href="http://open.spotify.com/album/2DlBQ0gF97ukeFrUbINDzq">aquí </a>os dejo el enlace para un disco recopilatorio suyo más que recomendable.<br /><br />Y <a href="http://yeruid.blogspot.com/2007/02/grandes-momentos-de-la-msica-de-cine-3.html">aquí </a>tenéis uno de los grandes momentos musicales de la historia del cine, como ya publiqué hace un tiempo.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-28336442632925027562009-01-20T21:54:00.006+01:002009-01-20T22:01:21.845+01:00Air and Simple Gifts de John Williams (Ceremonia de Investidura de Barack Obama)Aquí os dejo la pieza compuesta por John Williams para acompañar la investidura de Barack Obama. A partir de una melodía de Aaron Copland, uno de los compositores favoritos del nuevo presidente, ha compuesto esta pieza para violín, cello, piano y clarinete y cuyos intérpretes más destacados son Yo Yo Ma e Izhak Perlman.<br /><br /><object width="425" height="344"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/02Ao9jyq5Vk&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b"></param><param name="allowFullScreen" value="true"></param><param name="allowscriptaccess" value="always"></param><embed src="http://www.youtube.com/v/02Ao9jyq5Vk&hl=en&fs=1&rel=0&color1=0x5d1719&color2=0xcd311b" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object><br /><br />Ojalá se edite alguna vez esta pieza en CD, junto con otras aún ineditas como Soundings, que subí hace ya unos meses al blogJosé Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-52368657827609299242009-01-16T22:40:00.007+01:002009-01-16T23:42:01.443+01:00Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3hLLNY7VoAFml-4jlcKYjmwrlDOSUSYw6VzJitx3jwyzSQuILvTX3TJEh_9nknjiUSNErt4ZuACwzsjraeyBuOPLZ2wEexnKEVNFHsWQdxQvBkhWD39B-3RD6NQ3i9y__GF_/s1600-h/vicky-cristina-barcelona.jpg"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;width: 216px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiH3hLLNY7VoAFml-4jlcKYjmwrlDOSUSYw6VzJitx3jwyzSQuILvTX3TJEh_9nknjiUSNErt4ZuACwzsjraeyBuOPLZ2wEexnKEVNFHsWQdxQvBkhWD39B-3RD6NQ3i9y__GF_/s320/vicky-cristina-barcelona.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5292022371944183810" /></a><br />A ver si me acuerdo de cómo funciona esto. La verdad es que tras la paternidad tengo esto un poco abandonado, a ver si recupero cierta frecuencia de escritura. Además tampoco vamos al cine, así que todo lo vemos en casa por lo que pocos estrenos puedo comentar. Pero bueno, el caso es intentarlo así que allá vamos.<br /><br />Vuelve Woody Allen a nuestras pantallas en su cita anual como acostumbra el director neoyorquino. Siempre es de agradecer que directores veteranos como él sigan en activo y ofreciendo muestras de su arte, pero en el caso de Allen uno no puede dejar de preguntarse si no sería mejor que reposara un poco entre proyecto y proyecto y así poder afinarlos mejor. Un proceso de maduración del guión que sin duda habría mejorado sin duda su último film.<br /><br />Vicky Cristina Barcelona (título horrible, por cierto), narra las peripecias amorosas de dos amigas norteamericanas que llegan a Barcelona para pasar una temporada. Vicky(Rebecca Hall) tiene la intención de realizar una tesis sobre la identidad catalana (según el film: Miró, Dalí y poco más... La chica no tiene ni idea de castellano y el catalán no se escucha en toda la película) mientras mantiene una relación a distancia con su prometido en Nueva York. Mientras, Cristina(Scarlett Johansson) es una chica que se está buscando a sí misma. En su camino se encuentran con Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor bohemio incapaz de olvidarse de su ex-mujer, la temperamental María Elena(Penélope Cruz).<br /><br />Encasillar al film de Allen en una categoría es difícil. Lo venden como una comedia, pero en la práctica, salvo las escenas en las que participa Penélope Cruz, que sí resultan simpáticas, el resto del film se mueve en un terreno indeterminado. Nada resulta divertido ni dramático, ni resulta interesante. Allen juega al contraste del temperamental y abierto macho español frente a las puritanas mentes anglosajonas. De hecho, la primera vez que se cruzan las protagonistas con el personaje encarnado por Bardem, éste les ofrece viajar a Oviedo para pasar el fin de semana y llevar a cabo un trío. Tal cual. Detalles como ése y otros que comentaré más adelante sólo confirman el nulo conocimiento que tiene Allen de la cultura española y su visión de turista al respecto.<br /><br />A nivel de realización Allen demuestra una vez más que no es un director visual. Su película es un film plano, cansado y anodino en su puesta en escena. Conversaciones en plano-contraplano sin ni siquiera ofrecer un plano general, siempre optando por la opción más obvia o sencilla, descuidando además en diversas escenas la continuidad misma entre los planos. A esa absoluta falta de fuerza visual se le añade una molesta voz en off que demuestra la desgana con la que Allen afronta el proyecto, pues esa voz es el núcleo central de la narrativa. Incapaz de narrar de modo fluido recurre al narrador constantemente para hacer avanzar la acción. Sólo hay un tramo de película que carece de ese narrador, es una parte del film que nos cuenta la vida en común de Cristina con Juan Antonio y su ex mujer. Es el único tramo donde el film cobra vida, gracias a que Allen se olvida del narrador y se concentra en contarnos él con su cámara la historia. Lamentablemente es un espejismo y poco después todo sigue como estaba antes. Como agravante, el narrador en muchas ocasiones se comporta como un guía turístico, limitándose a decir los nombres de los lugares por donde pasan los personajes.<br /><br />El guión carece por completo de fuerza y de diálogos destacables, algo impropio de Allen. Los personajes son meros estereotipos apenas esbozados y el único personaje más trabajado (Vicky) no resulta especialmente atractivo ni interesante. Es un trabajo tan flojo que no parece provenir del creador de Match Point o La Maldición del Escorpión de Jade.<br /><br />A nivel interpretativo, el film es correcto. Los actores cumplen pero poco más, no se les nota especialmente motivados. La excepción es Penélope Cruz, brillante, divertida, excesiva como María Elena, una auténtica robaescenas que provee al film de los únicos momentos de comedia y lo dota de una fuerza de la que carece el resto del metraje. Todo un descubrimiento y sin duda lo mejor de la película. También destacar a Rebecca Hall, protagonista del film al fin y al cabo, aunque su personaje resulte poco atractivo. Scarlett Johansson, como casi siempre, sosa.<br /><br />La fotografía, del gran Javier Aguirresarobe, llama la atención por lo inapropiada. La tonalidad elegida por Allen no recuerda a la luz de Barcelona, el tono amarillento del que dota a la realidad no acaba de estar justificado. Además resulta incoherente que realice el mismo acercamiento lumínico para fotografiar la ciudad de Oviedo, cuya luz es muy distina a la de la ciudad Condal.<br /><br />Como es habitual, Allen no usa música original en la película, a pesar de ello me extenderé un poco. Resulta increible que el director americano sea músico por el poco respeto que muestra hacia la música empleada en su película. Su acercamiento carece por completo de funcionalidad dramática, su único objetivo es impedir que haya silencio y para lograrlo se dedica a salpicar el metraje con fragmentos sin orden ni concierto de Asturias de Albéniz, Entre dos aguas de Paco de Lucía y Barcelona de Giulia y los Tellarini. Los fragmentos se repiten, se cortan durante todo el film sin ningún sentido. Un absoluto desastre y algo imperdonable para un director con la trayectoria de Woody Allen.<br /><br />En resumen, Vicky Cristina Barcelona es el peor film rodado por Woody Allen sin duda. Allen demuestra además su nulo conocimiento de la cultura española, realizando un acercamiento típico de turista poco informado. Como elementos positivos destacar que el film no aburre y, sobre todo, Penélope Cruz, brillante en su papel secundario, capaz de hacerte creer que la película es una comedia. Lástima que esté tan poco tiempo en pantalla.<br /><br />Leer <a href="http://www.muchocine.net/criticas/8807/Vicky-Cristina-Barcelona" title="critica Vicky Cristina Barcelona">critica Vicky Cristina Barcelona</a> en Muchocine.netJosé Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-53672566065188275602008-08-27T22:09:00.003+02:002008-08-27T23:35:31.022+02:00El Caballero Oscuro (The Dark Knight) de Cristopher Nolan<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMkI004p-5PhlHpOhIZ-9y_02p3wJDNuSzhoPOc9p5luEIyggorSXrzlmO8ETByHRnPlTu8F66FAG3hlaYmEpPR7xkcvW1yvTpIL3zG_8eVsypkOnHnee8wVcFNfE1Z0bhFzsx/s1600-h/poster_batman.jpg"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMkI004p-5PhlHpOhIZ-9y_02p3wJDNuSzhoPOc9p5luEIyggorSXrzlmO8ETByHRnPlTu8F66FAG3hlaYmEpPR7xkcvW1yvTpIL3zG_8eVsypkOnHnee8wVcFNfE1Z0bhFzsx/s320/poster_batman.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5239314309732221378" /></a><br />Batman es uno de los personaje de cómic que más adaptaciones y encarnaciones cinematográficas ha tenido. Hay que remontarse a los años sesenta para encontrarnos con la primera encarnación, protagonizada por Adam West y que, por supuesto, no era más que un capítulo largo de la serie kitsch estrenado en cine. Hubieron de pasar casi veinte años para encontrarnos con la siguiente adaptación, la celebérrima Batman de Tim Burton protagonizada por Michael Keaton. Este film supuso el renacer de un género de capa caída y se convirtió en la película más taquillera del año. Además significó la entrada triunfal de Burton en el cine de gran presupuesto, consiguiéndolo además sin hacer excesivas concesiones al estudio y, por lo tanto, aplicando su particular universo al personaje creado por Bob Kane. A raíz del éxito no tardó en firmarse una segunda parte, donde el peculiar director norteamericano tuvo carta blanca y le salió una película personalísima, extrema, oscura, con escasa presencia del mundo y una atmósfera extraña, gótica y decadente. Vamos, un film de Burton en el que de vez en cuando aparecía Batman. La película se saldó con una decepción a nivel taquillero y Burton fue apartado de la saga, que aun así seguía gozando de buena salud económica.<br /><br />Los productores no tardaron en buscar un nuevo director para las andanzas del superhéroe enmascarado. El elegido fur Joel Schumacher, una elección desafortunada a todas luces, y que dio paso a las dos peores films de la saga Batman Forever con Val Kilmer y Batman y Robin con George Clooney, a cada cual peor; ridículas y sin sentido de la mesura, Schumacher transformó la ominosa ciudad de Gotham en una especie de mastodóntica discoteca llena de luces de neón. Un horror filogay visual, donde una de las novedades "destacadas" por el director eran los pezones añadidos al traje del superhéroe. Con estos dos pedazos de celuloide positivado, la saga quedó muerto durante varios años.<br /><br />Entonces llegó él, Cristopher Nolan, prestigioso director con apenas dos trabajos conocidos pero minoritarios, Memento e Insomia y un debut casi inédito, el elegido para dar un nuevo rumbo a la saga. Así nació Batman Begins que, con un reparto de altura (a saber Liam Neeson, Christian Bale, Michael Caine, Morgan Freeman, Tom Wilkinson y Gary Oldman, entre otros), supuso el soplo de aire fresco que el personaje necesitaba. Usando un punto de vista mucho más realista y cercano a la realidad que el circense elegido por Burton, el film de Nolan lograba un gran equilibrio entre las escenas de acción y las escenas dialogadas, dotando de gran fluidez al relato e impregnándolo de ese pesimismo tan característico en el director. La película supuso un gran éxito, aunque no estratosférico, pero sí suficiente como arrancar con garantías una nueva saga.<br /><br />Así, tres años después, llega El Caballero Oscuro, la mejor película de la saga hasta la fecha y una de las mejores películas de superhéroes de la historia.<br /><br />La Mafia de Gotham vive su época más baja, Batman(Christian Bale) junto al inspector jefe Gordon(Gary Oldman) y el fiscal del distrito Harvey Dent(Aaron Eckhart), tienen a los mafiosos contra las cuerdas, listos para impartirles el golpe final. Pero un nuevo personaje, que se hace llamar el Joker (Heath Ledger), llega a la ciudad dispuesto a sembrar el caos.<br /><br />Se podría decir que Nolan ha seguido los pasos de Tim Burton. Tras el éxito de la primera parte consiguió el poder para tener carta blanca en la secuela, y así poder traer el personaje de Batman a su universo particular. El primer paso es obvio, la Gotham de Batman Begins, una amalgama decadente de distintas urbes, y por lo tanto irreal hasta cierto punto, se transforma en una ciudad más tangible, más real, más vista, al fin y al cabo, Chicago. Parece una pequeña diferencia, pero no lo es, es un modo rápido (y barato) de acercar al personaje a la realidad. Además, ya desde la primera aparición del personaje, se le desprende de la aureola misteriosa de sus apariciones del primer film, haciéndolo más mundano, menos superhérores y más vengador justiciero. Otro punto interesante es que, siguiendo los paso de Burton, el superhéroes está en muchos puntos en un segundo plano, detrás de personajes muy bien escritos como Harvey Dent y el Joker. Y es que el Caballero Oscuro es en cierto modo una película coral, con varios personajes principales y secundarios con cancha suficiente como para lucirse. De nuevo y, como marca de la casa, el humor vuelve a brillar con su ausencia y cuando lo hace no es muy afortunado. El cine de Nolan vive en la escala de grises y la atmósfera opresiva, sin resquicios para el humor. El realizador vuelve a demostrar, además, su gran sentido de la puesta de escena y de la realización en las escenas dialogadas, que son mayoría, en un film más cercano a películas como Heat de Michael Mann que a otras como Superman. Una sorpresa agradable es comprobar que tiene más confianza en la realización de las escenas de acción, siendo éstas mucho más logradas y elaboradas que en Batman Begins, olvidándose de la saturación de planos y los movimientos de cámara mareantes. No obstante, aún necesita mejorar en este aspecto, pero hay que reconocerle el mérito de no recurrir a una segunda unidad para la realización de este tipo de escenas, como ocurre por ejemplo en la saga Bond, donde muchas escenas ya han sido filmadas incluso antes de que la película tenga director asignado. Otro gran mérito de Nolan(y sus guionistas) es conseguir un ritmo tal que el film casi parece un clímax continuado de dos horas y media.<br /><br />El guión, obra del propio realizador junto a su hermano y David S. Goyer, se muestra complejo y lleno de matices, dotanto de personalidad a los personajes, tornándolos creíbles y presentando acertados dilemas morales en los juegos del Joker. Además también analiza la figura del héroe en nuestra sociedad y si un justiciero como Batman, un fuera de ley, puede considerársele como tal. Destacar, sobre todo la gran labor de escritura de los personajes de Harvey Dent y Joker, sobre todo del primero, que presenta un completo arco vital.<br /><br />A nivel interpretativo la película está a gran altura. Se está hablando hasta la saciedad de la magistral interpretación de Ledger y coincido es un muy buena interpretación apoyada en un personaje impecablemente escrito y que resulta un caramelo para cualquier actor. Distanciándose a años luz del Jack Nicholson interpretado por Jack Nicholson(no, no es un error) del Batman de Burton, logra un personaje aterrador y desquiciado. No obstante, siempre he preferido las actuaciones más contenidas, pues opino que este tipo de personajes son más fáciles de interpretar, si bien es complicado no pasarse de la raya. Quizás por eso la interpretación que más me ha gustado ha sido la de Aaron Eckhart como Harvey Dent, otro personaje muy bien escrito y que cuenta con la ventaja de tener un arco vital variado, lo que permite un buen lucimiento del actor. El resto del reparto también está francamente bien, destacando un muy contenido Gary Oldman, que demuestra lo buen actor que es cuando lo controlan, y por supuesto, Bale, Caine o Freeman(aunque estos dos tienen una edad que les permite interpretar el mismo papel una y otra vez con su aplomo y seguridad habituales). Maggie Gyllenhal, por su parte, hace lo que puede con el personaje más flojo de la función, no consigue superar lo realizado por Katie Holmes, supera el trámite de manera profesional al igual que hiciera la señora de Tom Cruise.<br /><br />En los apartados técnicos la película está a un nivel muy alto, como, por otra parte, se espera de producciones de este nivel. Aun así, destacar la gran labor de los equipos de sonido y de efectos visuales.<br /><br />A nivel musical se vuelve a demostrar que los films de Nolan no permite un lucimiento excesivo de los músicos, en este caso Hans Zimmer y James Newton Howard. La partitura es muy efectiva y no omnipresente algo que se agradece, muy potente y con algún hallazgo interesante como el tema del Joker. Con las imágenes funciona a la perfección debido sobre todo a la ansiedad y tensión generada mediante su tema principal, el tema de Batman, un leitmotiv basado un ritmo que va creciendo en intensidad, y por lo tanto causando cierta ansiedad en el espectador, de modo inconsciente, por supuesto. Es una música que separada de las imágenes y escuchada por sí sola resulta incluso anodina pero que en el film resulta muy lograda, que es al fin y al cabo la misión de una partitura cinematográfica.<br /><br />En resumen, ¿es El Caballero Oscuro una Obra Maestra? Probablemente no. Realmente hasta ahora creo que no he dicho nada negativo de la película de hecho el único punto negativo que veo es el cerrar el arco de Harvey Dent, un personaje muy jugoso que podría haber sido mejor aprovechado en una continuación y alguna escena argumentalmente innecesaria, como la escapada a Hong Kong, aunque narrativamente necesaria para introducir una escena de acción en un film en el que no abundan. Es un film muy completo, muy serio a la par que espectacular, trepidante narrativamente, abrumador en ocasiones, inteligente, interesante, entretenidísimo, su larga duración de dos horas y media no pesa en el espectador. Una gran película, probablemente no para todos los paladares, siempre hay gente que no verá sus excelencias, que consigue que esperemos con más ganas el siguiente film de un director tan interesante como serio, Cristopher Nolan.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-28920688.post-51972703106082169992008-08-19T22:57:00.003+02:002008-08-19T23:31:57.774+02:00Wanted (Se Busca) de Timur Bekmambetov<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDQZLUpSqtVZXYIaoEoMzCXtdSNMQUMnBuh01Bq6KOnkEqH-pvZ53Whk9H4IU5YwAJU-03g7gqh5Ey-4qKoneqRThC8RBwXh5U7_-qgBvbdT_TXAsUjYH_nEnngPG2KRI2SdKL/s1600-h/pictures_angelina_jolie_wanted_movie_poster_2008.jpg"><img style="float:right; margin:0 0 10px 10px;cursor:pointer; cursor:hand;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDQZLUpSqtVZXYIaoEoMzCXtdSNMQUMnBuh01Bq6KOnkEqH-pvZ53Whk9H4IU5YwAJU-03g7gqh5Ey-4qKoneqRThC8RBwXh5U7_-qgBvbdT_TXAsUjYH_nEnngPG2KRI2SdKL/s320/pictures_angelina_jolie_wanted_movie_poster_2008.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5236337375566592658" /></a><br />Hollywood nunca desaprovecha la oportunidad de fichar a directores de otras cinematografías cuando sus películas tienen éxito fuera de sus fronteras. El caso de Timur Bekmambetov es uno más de la larga lista, su película Los Guardianes de la Noche fue todo un éxito sorpresa, una película comercial con buena factura que triunfó en todo el mundo. Este éxito, no pasó desapercibido para los productores norteamericanos quienes "importaron" al director ruso para tomar las riendas de una más, de las tan de moda, adaptaciones de cómic.<br /><br />Wesley Gibson(Jame McAvoy), un contable de triste y gris vida, sufre un cambio radical cuando tras una serie de peripecias, orquestadas por Fox(Angelina Jolie), ingresa en una secreta y poderosa hermandad de asesinos, liderados por Sloan (Morgan Freeman), y a la que su propio padre perteneció. <br /><br />Originalidad no es la palabra que mejor define al film de Bekmambetov. Ya desde la primera escena nos recuerda que uno de los modelos a seguir para las escenas de acción es, cómo no, Mátrix. El prólogo del fin, aparte de servir de aperitivo para las fantasmadas que seguirán, ya deja muy claro que el director ruso ha visto varias veces la película de los hermanos Wachowski, llegando a copiar planos directamente.<br /><br />La trama por otro lado no se sostiene de ningún modo, careciendo de lógica y de personajes elaborados (con la excepción del interpretado por McAvoy que está bastante mejor definido), por lo que hay que agradecer el buen hacer del director, capaz de otorgar ritmo a las imágenes y lograr que el film no aburra y siempre resulte divertido y entretenido a pesar de su duración cercana a las dos horas. Además demuestra ser un buen narrador de las escenas de acción, sin abrumar al espectador con una cantidad innecesaria de planos al estilo Michael Bay.<br /><br />En el plano interpretativo, poco que decir, los actores no disponen de unos personajes interesantes con los que trabajar, por lo que aportan su profesionalidad y poco más, destacando James McAvoy, sin duda debido a la mejor definición de su papel.<br /><br />Técnicamente la película hace gala de una muy buena factura a todos los niveles. Es cine comercial americano y eso se nota en todos los apartados técnicos, que como es habitual se muestran excelentes. Destacar eso sí, la música de Danny Elfman, sin duda su mejor trabajo de los últimos años y una de sus obras más originales. <br /><br />En resumen, Wanted no es una gran película, ni siquiera buena, tampoco lo pretende. Es un producto referencial, siempre entretenido y disfrutable, con la condición, eso sí, de dejarse las neuronas al entrar en la sala. No engaña a nadie, ofrece lo que promete y en ese sentido es recomendable para todo aquél que busque pasar un buen rato viendo una película de acción descabellada.José Córdobahttp://www.blogger.com/profile/14291780236149591552noreply@blogger.com1